Zusammenfassung

Alberto Giacometti war ein moderner Schweizer Bildhauer, Maler und Grafiker. Er wurde am 10. Oktober 1901 in Borgonovo im Bergell geboren und starb am 11. Januar 1966 in Chur. Er lebte und arbeitete ab 1922 hauptsächlich in Paris, blieb aber mit seinem heimatlichen Bergtal im Bergell verbunden; er traf dort seine Familie und widmete sich seiner künstlerischen Arbeit.

Giacometti ist einer der bedeutendsten Bildhauer des 20. Jahrhunderts. Seine Arbeit wurde vom Kubismus, Surrealismus und philosophischen Fragen über das Menschsein sowie vom Existentialismus und der Phänomenologie beeinflusst. Um 1935 gab er seine surrealistische Arbeit auf und widmete sich den "Kompositionen mit Figuren". Zwischen 1938 und 1944 waren seine Figuren maximal sieben Zentimeter groß: Sie sollten die Entfernung widerspiegeln, aus der er das Modell gesehen hatte.

Giacomettis bekannteste Werke entstanden in der Nachkriegszeit; in den extrem langen und schlanken Skulpturen verwirklicht der Künstler seine neue Erfahrung von Distanz nach einem Kinobesuch, bei dem er den Unterschied zwischen seiner Sehweise und der von Fotografie und Film wahrgenommen hatte. Gestützt auf seine subjektive Seherfahrung schuf er die Skulptur nicht als physische Nachbildung im realen Raum, sondern als "ein imaginäres Bild in seinem Raum, der gleichzeitig real und imaginär, greifbar und ungreifbar ist".

Giacomettis malerisches Werk ist anfangs nur ein kleiner Teil seiner Arbeit. Nach 1957 wurde die figurative Malerei gleichberechtigt neben die Skulptur gestellt. Seine fast monochrome Malerei der Spätphase "lässt sich keinem modernistischen Stil zuordnen", sagte Lucius Grisebach ehrfürchtig.

Jugend

Alberto Giacometti wurde 1901 in der Schweiz geboren, in Borgonovo, einem Bergdorf im Bergell bei Stampa im Kanton Graubünden. Sein Vater, Giovanni Giacometti, ein Maler des Postimpressionismus, und seine Mutter, Annetta Stampa (1871-1964), hatten im Jahr zuvor geheiratet. Er ist das älteste von vier Kindern. Sein Bruder Diego wurde 1902 geboren, seine Schwester Ottilia 1904 und sein jüngster Bruder Bruno 1907. Im Spätherbst 1903 ziehen die Giacomettis in das Gasthaus Piz Duan in Stampa um, das der Familie gehört und seit dem Tod des Großvaters Alberto Giacometti (1834-1933) von seinem Bruder Otto Giacometti geleitet wird. Das Gasthaus ist nach dem nahe gelegenen Berg Piz Duan benannt. Die Familie zieht 1906 nach Stampa in eine Wohnung in einem diagonal gegenüber dem Gasthaus gelegenen Haus, das für die nächsten sechzig Jahre das Herzstück der Familie bildet. Der Vater baut die an das Haus angrenzende Scheune zu einem Atelier um. Dieser ist selbst Maler und drängt Alberto dazu, sich für Kunst zu interessieren. Ab 1910 besitzt die Familie durch Erbschaft ein Sommerhaus mit Atelier am Silsersee in Capolago, Maloja, das zu ihrem Zweitwohnsitz wird. Auch Albertos Cousin Zaccaria Giacometti, der später Professor für Verfassungsrecht und Rektor der Universität Zürich wurde, besuchte den Ort häufig.

Alberto malt ab 1913 seine ersten Werke im Haus seiner Familie, hauptsächlich Porträts von Familienmitgliedern oder Mitschülern, wobei er den postimpressionistischen Stil seines Vaters aufgreift. Er fertigte seine erste exakte Zeichnung nach Albrecht Dürers Stich "Der Ritter, der Tod und der Teufel" an und malte sein erstes Ölgemälde, ein Stillleben mit Äpfeln auf einem Klapptisch. Ende 1914 fertigte er seine ersten Skulpturen an, die Köpfe seiner Brüder Diego und Bruno aus Modelliermasse. Von 1915 bis 1919 setzte er seine Ausbildung am evangelischen Gymnasium in Schiers bei Chur fort. Aufgrund seiner überdurchschnittlichen Leistungen und künstlerischen Fähigkeiten erhielt er ein eigenes Zimmer, das er als Studio einrichten durfte.

Neben seinem Geburtsitalienisch spricht Alberto Giacometti auch Deutsch, Französisch und Englisch. Sein Vater brachte ihm das Zeichnen und Modellieren bei. Sein Onkel Augusto Giacometti war mit abstrakten Kompositionen am Dada-Kreis in Zürich beteiligt. Sein Bruder Diego wurde ebenfalls Bildhauer, Designer von Möbeln und Objekten und Bruno Architekt. Giacomettis Pate ist der Schweizer Maler Cuno Amiet, der ein enger Freund seines Vaters ist.

Ausbildung

Giacometti verbringt den Frühling und Sommer 1919 in Stampa und Maloja, wo er ständig an divisionnistischen Zeichnungen und Gemälden arbeitet. Der Entschluss, Künstler zu werden, ist gefasst, sodass er nach vier Jahren die Schule vor Abschluss der Sekundarschule abbricht und im Herbst an der École des beaux-arts in Genf und an der École des arts et métiers studiert, wo er sich in die Bildhauerklasse einschreibt.

1920 begleitete er seinen Vater, der Mitglied der Eidgenössischen Kunstkommission der Biennale von Venedig war, nach Venedig, wo er von den Werken von Alexander Archipenko und Paul Cézanne beeindruckt war. In der Lagunenstadt faszinierten ihn die Werke von Tintoretto und die Fresken von Giotto in der Scrovegni-Kapelle in Padua.

1921 unternahm er eine Studienreise durch Italien und hielt sich zunächst mit Verwandten seiner Familie in Rom auf. Dort besuchte er die Museen und Kirchen der Stadt, füllte Skizzenbücher mit Zeichnungen, die auf Mosaiken, Gemälden und Skulpturen basierten, besuchte Opern und Konzerte und las Schriften von u. a. Sophokles und Oscar Wilde, die ihn zum Zeichnen inspirierten. Leider verliebt er sich in seine Cousine Bianca; die Arbeit an ihrer Büste befriedigte ihn nicht. Anfang April besucht er Neapel, Paestum und Pompeji. Sein 61-jähriger Reisebegleiter Pieter van Meurs stirbt im September in Madonna di Campiglio plötzlich an Herzversagen. Giacometti kehrt daraufhin über Venedig nach Stampa zurück.

Seine Entdeckungen der Städte Venedig, Padua, Rom, Florenz und Assisi, aber auch der Maler Tintoretto, Giotto und Cimabue, prägen ihn für den Rest seines Lebens. Auf einer dieser Reisen lernt er einen alten Holländer kennen, der vor seinen Augen sterben wird. Er wird später sagen, dass dieses Erlebnis seine Beziehung zur Welt verändert hat.

Paris und kubistische Anfänge

Entschlossen, die Schweiz zu verlassen, kommt er am 7. Januar 1922 in Paris an. Er wohnt im Atelier von Alexandre Archipenko und besucht das Atelier von Antoine Bourdelle, mit dem er bis 1927 an der Académie de la Grande-Chaumière in Montparnasse zusammenarbeitet. Er lebt sehr zurückgezogen und besucht den Louvre. Er entdeckt den Kubismus, die traditionelle afrikanische Kunst und die antike griechische Skulptur, von der er sich in seinen frühen Werken inspirieren lässt. Seine Skulpturen sind aus Gips, manchmal bemalt oder in Bronze gegossen, eine Technik, die er bis zum Ende seines Lebens praktiziert.

Anfangs schloss er sich mit gleichaltrigen Schweizer Künstlern wie Kurt Seligmann und Serge Brignoni zusammen. Ein Mitschüler, Pierre Matisse, wird später sein Kunsthändler. Bis 1929 unterhielt er eine lose Beziehung zu Flora Mayo, einer amerikanischen Bildhauerin; sie stellten sich in Ton dar. In Paris machte er sich mit dem Werk von Henri Laurens vertraut, den er 1930 persönlich kennenlernte, sowie von Chaim Jacob Lipchitz und Constantin Brâncuși, mit denen er 1925-1956 verkehrte.

Drei Jahre nachdem Giacometti sein Studium in Paris begonnen hatte, stellte er seine ersten Werke im Salon des Tuileries in Paris aus. Von Bourdelle angeregt, präsentierte er 1925 zwei seiner Werke, einen Kopf von Diego Giacometti sowie die post-kubistische Skulptur Torso. Der nackte Torso, der auf einige kantige Blockformen reduziert ist, erregte den Unmut seines Lehrers Bourdelle: "So etwas machst du zu Hause für dich selbst, aber du zeigst es nicht". In den Jahren 1926, 1927 und 1928 stellte er seine frühen Werke erneut im Salon des Tuileries aus. 1927 schuf er Femme cuillère und ließ sich dabei von Reislöffeln inspirieren, deren hohler Teil laut Rosalind Krauss das weibliche Organ symbolisiert, das als Gefäß gesehen wird.

Im Februar 1925 gesellte sich sein Bruder Diego zu ihm in das Atelier in der Rue Froidevaux 37, das er im Januar desselben Jahres bezog. Im Frühsommer 1926 zogen die Brüder in ein neues, kleineres Atelier in der Rue Hippolyte-Maindron 46 um, das Giacometti trotz der geringen Größe und der unbequemen Räumlichkeiten bis zu seinem Tod beibehielt. Diego Giacometti hatte seinen Beruf im Design gefunden und unterstützte seinen Bruder bei seiner Arbeit; er wurde nicht nur Albertos Lieblingsmodell, sondern ab 1930 auch sein engster Mitarbeiter. Obwohl der Großteil seiner Werke in Paris entsteht, kehrt Giacometti regelmäßig in die Schweiz zurück, wo er im Atelier seines Vaters in Maloja arbeitet.

Um ihren Lebensunterhalt zu verdienen, stellten die Brüder dekorative Wandleuchten aus Gips und Vasen für Jean-Michel Frank her, den sie 1929 über Man Ray kennengelernt hatten, und fertigten Schmuck für die Modedesignerin Elsa Schiaparelli an. Frank fertigt für Schiaparelli die Bronze-Stehlampe Figure Version Étoile an, die auf einem Entwurf von Alberto Giacometti basiert. Durch Frank lernen sie die Pariser Society kennen; der Vicomte de Noailles und seine Frau Marie-Laure de Noailles erwerben Skulpturen und geben eine 2,40 m hohe Steinskulptur Figure dans un jardin, eine kubistische Komposition in Form einer Stele, für den Park ihrer Villa Noailles bei Hyères in Auftrag, die im Sommer 1932 fertiggestellt wird. 1929 schloss er einen Vertrag mit Pierre Loeb, einem der wichtigsten Händler der Avantgarde.

Surrealisten

Nach Skulpturen, die als mit dem Kubismus verwandt angesehen wurden, schuf Giacometti "flache" (Femme, 1929) und "offene" Skulpturen (Homme et Femme, 1929), von denen zwei von der Galerie Jeanne Bucher ausgestellt wurden und die den Beginn seiner Bekanntheit als Bildhauer markierten.

Seine Beziehungen zu Künstlern und Schriftstellern wie Louis Aragon, Alexander Calder, Jean Cocteau, Max Ernst, Michel Leiris, Joan Miró und Jacques Prévert gehen auf das Jahr 1928 zurück. 1929 veröffentlichte Leiris in der vierten Ausgabe der neuen surrealistischen Zeitschrift Documents eine erste Würdigung von Giacomettis Werk. 1930 war Giacometti zusammen mit Joan Miró und Jean Arp auf der Gruppenausstellung in Pierre Loebs Galerie Pierre vertreten, wo André Breton Giacomettis Kunstobjekt, die Hängende Kugel aus Kunststoff, das erste "Objekt mit symbolischer Funktion" (1930), sah und kaufte.

Bei einem späteren Besuch in Giacomettis Atelier in der Rue Hippolyte-Maindron im Jahr 1931 überredete Breton den Künstler, sich seiner Gruppe von Surrealisten anzuschließen. Er beteiligte sich an der Redaktion der Zeitschriften der Gruppe, insbesondere an der Zeitschrift le Surréalisme au service de la révolution zwischen 1931 und 1933 (für die Nummern 3, 5 und 6). Dort veröffentlichte er 1933 Gedichte in Le Surréalisme au service de la révolution und einen surrealistischen Text über seine Kindheit, Hier, sables mouvants. Im selben Jahr lernte er im Atelier 17 des britischen Künstlers Stanley William Hayter die Techniken der Radierung und der Chalkographie. 1933 illustrierte er das Buch des surrealistischen Schriftstellers René Crevel Les Pieds dans le plat und schuf 1934 vier Radierungen für L'Air de l'eau von Le Breton.

Mit der Gruppe nahm er von Oktober bis November 1933 am 6. Salon des surindépendants teil, zusammen mit Man Ray, Yves Tanguy, Salvador Dalí, Max Ernst, Victor Brauner, Joan Miró, Wassily Kandinsky, Jean Arp und Meret Oppenheim. Auf dieser Messe stellte er sein Werk L'oiseau silence vor. Unruhe, Traumhaftigkeit, Ungewissheit und Gewalt sind die Merkmale der Skulpturen dieser Zeit: Würfel, Gehende Frau, Liegende Frau, die träumt, Frau mit durchschnittener Kehle, Käfig, Blume in Gefahr, Unangenehmes Objekt zum Wegwerfen, Tisch, Schädelkopf, Spitze im Auge, Der Palast um vier Uhr morgens. Diese surrealistischen Skulpturen begeisterten Breton, der einen wichtigen Text über Le Palais à 4 heures du matin veröffentlichte: "Seit Jahren habe ich nur Skulpturen geschaffen, die sich meinem Geist ganz fertig angeboten haben; ich habe mich darauf beschränkt, sie im Raum zu reproduzieren, ohne etwas daran zu ändern, ohne mich zu fragen, was sie bedeuten könnten. Nichts erschien mir jemals in Form eines Gemäldes, und ich sehe es selten in Form einer Zeichnung. Die Versuche, die ich manchmal unternahm, einen Tisch oder sogar eine Skulptur bewusst zu gestalten, scheiterten immer. Sobald das Objekt gebaut ist, neige ich dazu, Bilder, Eindrücke, Tatsachen, die mich tief bewegt haben (oft ohne mein Wissen), und Formen, die ich mir sehr nahe fühle, umgewandelt und verschoben wiederzufinden, obwohl ich sie oft nicht identifizieren kann, was sie für mich immer beunruhigender macht..." (Minotaure, 1933). Die meisten seiner frühen oder surrealistischen Werke sind durch ihre Bronzeeditionen bekannt, die in den letzten zehn Jahren des Lebens des Künstlers angefertigt wurden.

Er stellte in den Galerien Pierre Loeb und Georges Petit aus. Seine erste Einzelausstellung fand im Mai 1932 in der Galerie Pierre Colle statt.

Giacomettis Vater Giovanni, der eine starke Bezugsperson für den Künstler war, stirbt am 25. Juni 1933 in Glion, in der Nähe von Montreux. Von Trauer überwältigt, kann Alberto die Beerdigung nicht leiten. Im darauffolgenden Jahr organisierte er eine große Ausstellung zum Gedenken an seinen Vater.

1934 findet seine erste Ausstellung in den USA statt, die bei Julien Levy in New York abgehalten wird. In diesem Jahr entstehen nur wenige Werke. Obwohl Giacometti an weiteren surrealistischen Ausstellungen teilnimmt, beginnt er nach langer Zeit wieder, nach der Natur zu modellieren, was Breton als Verrat an der Avantgarde ansieht. Im August 1934 war Giacometti zusammen mit Paul Éluard und Man Ray als Fotograf Trauzeuge bei Bretons Hochzeit mit der französischen Malerin Jacqueline Lamba. Einige Monate später zog er sich aus der Gruppe zurück, bevor es zu einem offiziellen Ausschluss kommen konnte. Bei einem Abendessen im Dezember 1934 beschuldigte André Breton Giacometti, für den Pariser Möbeldesigner Jean-Michel Frank "Brotarbeit" zu leisten und damit die Idee des Surrealismus aufgegeben zu haben. 1938 auf der Internationalen Ausstellung des Surrealismus in Paris erwähnte er ihn als ehemaligen Surrealisten. Infolge der Trennung verlor Giacometti viele Freunde, mit Ausnahme von Michel Leiris, Georges Limbour und René Crevel, der sich im Juni 1935 deprimiert und krank das Leben nahm; seine Skulpturen wurden auf den verschiedenen surrealistischen Ausstellungen nicht mehr gezeigt.

Reife

Nachdem Giacometti mit den Surrealisten gebrochen hatte, befand er sich in einer Schaffenskrise. Er wendet sich anderen Künstlern wie Balthus, André Derain und Pierre Tal Coat zu, die sich der Wiedergabe von Kunst nach der Natur widmen. Pablo Picasso hatte er bereits im Kreis der Surrealisten kennengelernt, aber eine Freundschaft zwischen ihnen begann erst, als er 1937 an seinem Monumentalgemälde Guernica arbeitete. Abgesehen von Henri Matisse war Giacometti der einzige Künstler, mit dem er über Kunst diskutierte, aber er nahm seine Malerei und Skulptur nie sehr ernst. Obwohl er verstand, dass Giacometti für etwas kämpft, betrachtete er diesen Kampf - im Gegensatz zu Picassos Kampf für den Kubismus - als Niederlage, da er laut Picasso nie das bekommen würde, was er forderte, und machte Skulpturen, um "uns die Meisterwerke bereuen zu lassen, die er nie schaffen wird."

Ab 1935 wandte sich Giacometti von Anekdoten und literarischen Titeln ab und verfolgte eine Suche nach der Darstellung der Realität. Er produzierte Serien von Köpfen, für die sein Bruder und ein Modell Modell Modell standen. Er schloss eine neue Freundschaft mit der Britin Isabel Delmer, geborene Nicholas (1912-1992), die kurz nach ihrer Ankunft in Paris 1935 den Journalisten Sefton Delmer geheiratet hatte. Isabel Delmer wird Giacomettis Modell für Zeichnungen. Er entwirft Skulpturen von ihr, die zunehmend gestreckt sind und überlange Beine haben. Die erste Skulptur ihres Kopfes, die 1936 unter dem Titel La femme égyptienne entstand, erinnert an die ägyptische Porträtkunst.

Im Sommer 1937 malt er den Apfel auf dem Buffet und die Mutter des Künstlers, wichtige Werke, die sein Nachkriegsschaffen ankündigen. Er gestaltet das Grab von Gerda Taro (1910-1937) auf dem Père-Lachaise.

Ende der 1930er Jahre engagierte er sich in der Association of Revolutionary Writers and Artists, die der Kommunistischen Partei nahestand. In einer seiner Zeichnungen prangert er den japanischen Imperialismus in Bezug auf China und die Sowjetunion an. Außerdem will er die Arbeiterklasse im Klassenkampf verteidigen.

Im Oktober 1938 wird Giacometti Opfer eines schweren Verkehrsunfalls. Während er nachts durch Paris fährt, verliert eine betrunkene Autofahrerin die Kontrolle über ihr Fahrzeug und rammt ihn auf dem Bürgersteig der Place des Pyramides. Er verletzt sich am Fuß - sein rechter Mittelfußknochen ist an zwei Stellen gebrochen - und ignoriert die von seinem Arzt verordnete Ruhepause, bis der Bruch verheilt ist. Seitdem hat er einen Gehfehler und benötigt bis 1946 Krücken und einen Gehstock. Er sprach oft über diesen Unfall und beschrieb ihn als eine dramatische Erfahrung in seinem Leben, die sich "wie ein elektrischer Schlag auf sein kreatives und persönliches Leben" auswirkte. Giacomettis Biograf Reinhold Hohl weist Spekulationen zurück, dass der Künstler durch die Angst vor einer Amputation traumatisiert war und deshalb seine späteren Skulpturen mit übergroßen Füßen versah.

Treffen mit Sartre

1939 trifft Giacometti den französischen Philosophen Jean-Paul Sartre und seine Lebensgefährtin Simone de Beauvoir im Café de Flore, 172 Boulevard Saint-Germain. Kurz nach Sartres erster Begegnung mit Giacometti schrieb der Philosoph sein Hauptwerk L'Être et le Néant (Das Sein und das Nichts). Versuch einer phänomenologischen Ontologie, das 1943 zum ersten Mal veröffentlicht wurde und in das einige von Giacomettis Überlegungen einflossen. Giacometti beschäftigte sich sein ganzes Leben lang mit der Phänomenologie. Seit er in Genf studierte, war er auf der Suche nach einer neuen Form des künstlerischen Ausdrucks. Im selben Jahr beginnt er, Büsten und Köpfe zu modellieren, die nur die Größe einer Walnuss haben; seine geschnitzten Figuren werden sehr klein.

Dank der Vermittlung seines Bruders Bruno nimmt Giacometti an der Schweizerischen Landesausstellung 1939 in Zürich teil. Eine Draperie aus Gips, die er für die Fassadenverkleidung des Gebäudes "Textilien und Mode" geplant hatte, erweist sich als technisch nicht realisierbar; die Präsentation einer winzigen Gipsfigur auf einem großen Sockel in einem der sechs Meter langen Innenhöfe desselben Gebäudes wird abgelehnt, da das Werk als Parodie auf die vorgestellten Künstler angesehen wird. Stattdessen wurde Giacomettis fast einen Meter hoher Gips Le Cube von 1933

Zweiter Weltkrieg

Als der Zweite Weltkrieg im September 1939 ausbricht, halten sich Alberto Giacometti und sein Bruder Diego in Maloja auf und kehren Ende des Jahres nach Paris zurück. Giacometti vergräbt im Mai 1940, kurz vor dem Einmarsch der Wehrmacht, seine Miniatur-Skulpturen in seinem Atelier. Die Brüder flüchten im Juni mit dem Fahrrad aus Paris, kehren aber nach schrecklichen Kriegserlebnissen zurück. Im Dezember 1941 verlässt Alberto Paris und zieht nach Genf. Als er seine Mutter Annetta besuchen wollte, konnte er nicht nach Frankreich zurückkehren, da die Deutschen die Visa abgeschafft hatten. Diego beaufsichtigt das Atelier während seiner Abwesenheit. Wegen seiner Behinderung vom Militärdienst befreit, lebte er von Januar 1942 bis September 1945 in Genf, zunächst bei seinem Schwager Dr. Francis Berthoud, später nahm er sich ein einfaches Hotelzimmer und setzte die in Paris begonnene Produktion von Kleinskulpturen fort; in den Sommermonaten hielt er sich in Stampa und Maloja auf.

Giacomettis Schwester Ottilia stirbt 1937 bei der Geburt, und die Großmutter Annetta hilft bei der Erziehung des Kindes. Im Hotelzimmer werden winzige Gipsfiguren auf größeren Grundlagen geschaffen, darunter auch die Figur seines Neffen Silvio. Der Gips Die Frau mit dem Wagen, 1942 in Maloja geschaffen

Die Unmöglichkeit, eine große Skulptur zu schaffen, verfolgte ihn, und erst nachdem er dieses Hindernis mit Die Frau mit dem Wagen überwunden hatte, verließ er die Schweiz.

Rückkehr nach Paris und Stilwechsel

Ab September 1945 lebte Giacometti wieder in Paris, zunächst in einem gemieteten Zimmer in der Rue Hippolyte-Maindron, mit seiner langjährigen Freundin Isabel, die sich von Sefton Delmer getrennt hatte und aus London zurückgekehrt war. Sie verließ ihn im Dezember, besuchte ihn aber weiterhin gelegentlich in seinem Atelier; 1947 heiratete sie Constant Lambert und nach dessen Tod 1951 Alan Rawsthorne. Anlässlich einer für 1962 geplanten Ausstellung in der Londoner Tate Gallery sorgte Isabel dafür, dass Giacometti Francis Bacon kennenlernte, der sie ebenfalls vertreten hatte.

1946 zog Giacometti mit Annette Arm (1923-1993) zusammen, die er 1943 in Genf kennengelernt hatte und die er am 19. Juli 1949 auf dem Standesamt des 14. Er schuf eine Vielzahl von Zeichnungen, Stichen, Gemälden und Skulpturen, wobei er sie als Modell benutzte. In dieser Zeit (1946-1947) setzte sich Giacomettis neuer Stil durch, der sich durch hohe, fadenförmige Figuren auszeichnet. Die Skulpturen wurden immer länger und dünner und zeigten den Stilwechsel, der ihn in den folgenden Jahrzehnten international bekannt machte: Die "Nadel"-Figuren auf hohen Sockeln wichen schlanken, meterhohen Figuren, Figuren so dünn wie ein Stab mit unklarer Anatomie, aber mit exakten Proportionen, und nur die Köpfe und Gesichter hatten einen auffallenden Blick.

Laut Albert Skira bewahrt er alle seine Skulpturen in einer großen Streichholzschachtel auf. Zu dieser Zeit unterhielt er eine enge Beziehung zu Picasso. Im Oktober 1946 erklärte André Breton nach seiner Rückkehr aus den USA gegenüber der Presse: "Am Ende seiner neuen Forschungen habe ich mit Begeisterung überprüft, dass Giacometti in der Bildhauerei die Synthese seiner früheren Anliegen gelungen ist, von der mir die Schaffung des Stils unserer Epoche immer abzuhängen schien." Dennoch lehnte Giacometti Bretons Vorschlag ab, sich ihm anzuschließen und aktiv an der Ausstellung teilzunehmen, die er in der Galerie Maeght vorbereitete: Le Surréalisme en 1947. Einige seiner Werke lassen dennoch den Surrealismus anklingen (Le Nez, 1947-1949, und La Main, 1947).

Nach dem Krieg blieb er Sympathisant der Kommunistischen Partei Frankreichs, wollte seine künstlerische Arbeit aber nicht in den Dienst einer politischen Sache stellen.

Internationaler Erfolg

Seine Produktion wurde durch die wiederaufgenommenen Beziehungen zu dem New Yorker Kunsthändler Pierre Matisse angeregt, der im Januar 1948 seine erste persönliche Nachkriegsausstellung ausrichtete, die in seiner New Yorker Galerie ein großer Erfolg war. Matisse vertritt den Bildhauer in der Folgezeit in den USA. Giacometti erregte die Aufmerksamkeit von einflussreichen Sammlern und Kunstkritikern wie David Sylvester, den er während der Ausstellung kennenlernte. Die Ausstellung, auf der die schlanken Silhouetten zum ersten Mal einem breiteren Publikum präsentiert werden, begründet seinen Ruhm in der angelsächsischen Welt. Jean-Paul Sartre schrieb den fast zehnseitigen Essay La Recherche de l'absolu für den Ausstellungskatalog, und das amerikanische Publikum betrachtete Giacometti später als einen Bildhauer des französischen Existentialismus.

Dank der Verlängerung der 1936 mit dem Galeristen getroffenen Vereinbarungen konnte Giacometti 1947 acht seiner neuen Skulpturen in Bronze gießen lassen, darunter L'Homme qui pointe und ein erster Homme qui marche. Im Jahr 1948 folgten Les Trois Hommes qui marchent und Les Places. Für die Ausstellung in der Galerie Pierre Matisse im Dezember 1950 fertigte Giacometti jedoch einige seiner berühmtesten Skulpturen an, darunter die Bronzeausgabe von : Vier Frauen auf Sockel, Vier Figuren auf Podest, Der Wald, Die Lichtung, Der Käfig, Der Wagen, Die Frau, die zwischen zwei Kästen, die Häuser sind, geht. L'Homme qui marche, Le Nez, L'Homme au doigt und La Tête sur tige, allesamt große Werke, wurden durch Diegos Pflege zu Bronzefiguren.

1950 kauft der Kunsthistoriker Georg Schmidt zwei Gemälde, La Table und Portrait d'Annette , sowie die Bronze La Place für die Emanuel-Hoffmann-Stiftung des Kunstmuseums (damit gelangen in diesem Jahr die ersten Werke Giacomettis in eine öffentliche Sammlung in der Schweiz. Eine erste Retrospektive findet 1950 in der Kunsthalle Basel statt. Im November stellt Giacometti zum zweiten Mal bei Pierre Matisse in New York aus.

Erst im Juni 1951 fand seine erste Nachkriegsausstellung in Paris statt, und zwar in der Galerie Maeght, zu der ihn sein Freund Louis Clayeux überredet hatte. Er zeigte dort Werke, die er bereits in der Galerie Matisse gezeigt hatte, sowie mehrere neue Werke, alle aus Gips, darunter Le Chat und Le Chien. Leiris und Francis Ponge begleiteten ihn bei dieser Ausstellung. Entgegen der Legende, dass Aimé Maeght Giacometti erlaubt habe, seine Werke in Bronze zu gießen, kann Giacometti seit 1947 dank Pierre Matisse alles gießen lassen, was er will. Es folgen zahlreiche Ausstellungen in Europa. Giacometti erhält Aufträge, Radierungen für die Publikationen von Georges Bataille und Tristan Tzara anzufertigen. Im November 1951 besuchten er und seine Frau den Verleger Tériade in seinem Landhaus in Südfrankreich. Danach fuhren sie zu Henri Matisse, der in Cimiez bei Nizza lebte, und am nächsten Tag zu Pablo Picasso in Vallauris. Nach einer Schlägerei endet ihre langjährige Freundschaft. Bei den folgenden Treffen verhält sich Giacometti höflich, aber distanziert.

Anfang der 50er Jahre

Im Februar 1952 trifft Alberto Giacometti seinen späteren Biografen James Lord im Café Les Deux Magots, der ihm gelegentlich als Modell für seine Zeichnungen dient. Während er 1964 sein Porträt zeichnet, sammelt Lord während der Sitzungen Material für das erste Buch, A Giacometti Portrait, das 1965 vom Museum of Modern Art in New York herausgegeben wird.

1954 schrieb Sartre einen weiteren wegweisenden Text über den Künstler. Im selben Jahr traf Giacometti Jean Genet, den er porträtierte, und für die Publikation der Galerie Maeght, Derrière le miroir, schrieb Genet 1957 einen der brillantesten Essays über den Künstler, L'Atelier d'Alberto Giacometti.

Ab Mitte der 1950er Jahre reduziert Giacometti seine Motive auf Köpfe, Büsten und Figuren. 1954 zeichnete er mehrmals Matisse im Rollstuhl, von Ende Juni bis Anfang Juli und erneut im September, als Vorbereitung für eine von der französischen Münze in Auftrag gegebene Gedenkmünze, die nie geprägt wurde, aber Matisse starb im November,.

1955 finden Retrospektiven im Arts Council England in London und im Solomon R. Guggenheim Museum in New York statt, sowie eine Wanderausstellung in Deutschland in den Städten Krefeld, Düsseldorf und Stuttgart. 1956 modelliert Giacometti eine stehende weibliche Figur, die er in verschiedenen Versionen in Ton gießt. Sein Bruder Diego fertigt Gipsabgüsse von 15 frontalen, unbeweglichen, stehenden Figuren an, die etwas kleiner als die Lebensgröße sind. Zehn, die zwischen Januar und Mai entstanden, werden 1956 im französischen Pavillon auf der Biennale in Venedig unter dem Titel Les Femmes de Venise ausgestellt, auch wenn einige von ihnen im selben Jahr erstmals in Bern gezeigt wurden; neun davon werden später in Bronze gegossen. Diese Figurengruppe, die aus "verschiedenen Versionen einer einzigen weiblichen Figur, die nie eine endgültige Form erhalten hat", besteht, wird 1958 zum ersten Mal als Bronzeguss in der Pierre Matisse Gallery in New York ausgestellt. Im Juni stellte er zum dritten Mal in der Galerie Maeght aus, zusammen mit einem Essay von Jean Genet.

Im November 1955 trifft Giacometti im Café Les Deux Magots die japanische Philosophieprofessorin Isaku Yanaihara, die für ein japanisches Magazin einen Artikel über den Bildhauer schreiben soll. Yanaihara wird sein Freund und dient ihm von 1956 bis 1961 als Modell für mehrere Gemälde und Skulpturen. Die japanische Professorin veröffentlicht 1958 in Tokio die erste Biografie über Giacometti.

Projekte für die Chase Manhattan Bank

1956 plant die Chase Manhattan Bank in New York, eine der größten Banken der Welt, den geräumigen Platz vor einem neuen sechzigstöckigen Gebäude mit Kunstwerken zu beleben. Der Architekt Gordon Bunshaft bittet Giacometti und seinen amerikanischen Kollegen Alexander Calder um Entwürfe. Giacometti stimmt zu, obwohl er mit den örtlichen Gegebenheiten in New York nicht vertraut ist und noch nie Kunstwerke in der erforderlichen Größe geschaffen hat. Man gab ihm ein kleines Modell des Bankgebäudes, und von da an entwickelte er bis 1960 seine Kreationen: eine weibliche Figur, von der er vier überlebensgroße Versionen schuf, einen Kopf, der wie Diego aussah, und zwei lebensgroße Schreitende. Da Giacometti mit dem Ergebnis nicht zufrieden war, wurde der Auftrag nicht ausgeführt; ein Werk der Gruppe war L'Homme qui marche I (Der Mann, der geht). Dieses Werk wird schließlich im Hof der Fondation Maeght aufgestellt. Es besteht aus zwei Hommes qui marchent, zwei Grandes Femmes und einem monumentalen Kopf.

Jean Genet und Caroline

1957 lernte der Künstler den Komponisten Igor Strawinsky kennen, den er mehrmals zeichnete. Zur gleichen Zeit lernte er auch den französischen Schriftsteller Jean Genet kennen, von dem er drei Ölporträts und mehrere Zeichnungen anfertigte. Genet wiederum schrieb 1957 L'Atelier d'Alberto Giacometti. Es heißt, dass der Text Giacometti viel bedeutet, weil er sich darin verstanden sieht. Picasso beschreibt Genets 45-seitiges Werk als das beste Buch, das er je über einen Künstler gelesen habe. 1959 wurde Giacomettis Werk Trois hommes qui marchent aus dem Jahr 1947 auf der Documenta 2 in Kassel ausgestellt (sie gilt zu Beginn des 21. Jahrhunderts als Meisterwerk der Kunstgeschichte.

Sein Treffen mit der 21-jährigen Prostituierten Caroline (eigentlich Yvonne-Marguerite Poiraudeau ) im Oktober 1959 in der Bar Chez Adrien führt zu einer leidenschaftlichen Affäre, die bis zu seinem Tod andauert. Diese Affäre erweist sich für Annette und Diego Giacometti als Belastung. Caroline wird in dieser Zeit zu einem wichtigen Modell, und Giacometti fertigt zahlreiche Porträts von ihr an. Der Künstler war nun weltberühmt und erhielt von seinen Händlern Pierre Matisse und Aimé Maeght hohe Summen für seine Werke. Er hat seine Gewohnheiten nicht geändert, lebt weiterhin bescheiden, aber ungesund: Er isst wenig, trinkt viel Kaffee und raucht Zigaretten. Sein erworbenes Vermögen verteilte er an seinen Bruder Diego, seine Mutter bis zu ihrem Tod im Januar 1964 und an seine nächtlichen Bekanntschaften. 1960 kaufte er ein Haus für Diego und Wohnungen für Annette und Caroline, wobei die luxuriöseste Wohnung für sein Modell bestimmt war.

Letzte Jahre

Samuel Beckett, den Giacometti seit 1937 kennt und mit dem er oft in Pariser Bars über die Schwierigkeiten des Künstlerlebens debattiert, bittet ihn 1961, an einer neuen Produktion von En attendant Godot mitzuwirken, die im Januar 1953 uraufgeführt wurde. Giacometti schuf einen kahlen Baum aus Pariser Gips als Bühnenbild für das Drama über die menschliche Einsamkeit, das Roger Blin im Mai 1961 im Théâtre de l'Odéon inszenierte.

Am Ende seines Lebens wurde Giacometti mit Ehrungen überhäuft. Im Jahr 1961 wurde er mit dem Carnegie-Preis ausgezeichnet. Im Jahr darauf erhielt er den Großen Preis für Skulptur auf der Biennale in Venedig, wo ihm ein ganzer Saal gewidmet wurde, was ihn weltberühmt machte. Jacques Dupin veröffentlicht die erste Monografie, die seinem Werk gewidmet ist. Im selben Jahr findet im Kunsthaus Zürich eine große Retrospektive mit über 100 Skulpturen und 85 Gemälden statt.

Giacometti wurde im Februar 1963 an Magenkrebs operiert und erholte sich davon. Zu dieser Zeit beteiligte er sich aktiv am Projekt der Maeght-Stiftung, indem er für den Preis des Gusses eine große Anzahl von Bronzefiguren schenkte.

1964 erhielt er den Guggenheim-Preis, schuf die quadratische Komposition mit mehreren Figuren im Hof der Fondation Maeght in Saint-Paul-de-Vence, die aus L'Homme qui marche II, Femme debout III und L'Homme qui marche I besteht, und war erneut auf der Documenta 3 in Kassel vertreten. Im selben Jahr zerbricht seine Freundschaft mit Sartre bei der Veröffentlichung seines autobiografischen Buches Les Mots. Giacometti sieht seinen Unfall und dessen Folgen verzerrt dargestellt. Sartre nannte fälschlicherweise die Place d'Italie (Paris) als Ort des Unfalls und zitiert Giacometti mit den Worten: "Endlich erlebe ich etwas! Ich war also nicht dazu bestimmt, Bildhauer zu sein, vielleicht war ich nicht einmal dazu bestimmt, zu leben; ich war zu nichts bestimmt." Giacometti weigert sich, sich mit Sartre zu versöhnen. Im folgenden Jahr reiste er trotz seiner angeschlagenen Gesundheit in die USA, um im Museum of Modern Art in New York eine Retrospektive seiner Werke zu sehen.

Der Grand Prix International des Arts wurde ihm 1965 von Frankreich verliehen. In seinen letzten Jahren verfolgte er aufmerksam das Projekt der nach ihm benannten Stiftung, die am 16. Dezember 1965 in der Schweiz gegründet wurde, um die Sammlung von G. David Thompson, einem Industriellen aus Pittsburgh, zu sammeln, der den Plan hatte, ein Museum in den USA zu eröffnen.

Annetta Giacometti stirbt am 25. Januar 1964. Alberto beginnt mit der Arbeit an den Büsten des Fotografen Éli Lotar. Im Juli/August stellt die Tate Gallery über 200 seiner Werke aus.

Alberto Giacometti wurde am 5. Dezember 1965 in das Kantonsspital von Chur in der Schweiz eingeliefert und starb dort am 11. Januar 1966 an einer Herzbeutelentzündung infolge einer chronischen Bronchitis. Sein Leichnam wurde in seine Geburtsstadt Borgonovo überführt und am 15. Januar neben dem Grab seiner Eltern beigesetzt. Diego Giacometti stellt den Bronzeabguss des letzten Werks seines Bruders, der dritten Skulptur des französischen Fotografen Éli Lotar, auf das Grab. Diego hatte die in feuchte Tücher gewickelte Tonfigur im Atelier gefunden. Er stellt seinen eigenen kleinen Bronzevogel daneben. An der Beerdigung nehmen neben Verwandten und zahlreichen Freunden und Kollegen aus der Schweiz und Paris auch Museumsdirektoren und Kunsthändler aus der ganzen Welt sowie Vertreter der französischen Regierung und der Bundesbehörden teil.

Seine Witwe, die ihn bis zum 19. September 1993 überlebte, widmet sich der Verteidigung seines Werks und gründete testamentarisch die Alberto und Annette Giacometti-Stiftung, die 2003 als gemeinnützig anerkannt wurde und ihren Sitz in Paris hat. Die Stiftung umfasst eine große Anzahl von Gemälden und Skulpturen des Künstlers sowie ein Forschungs- und Dokumentationszentrum.

Laut der Kunsthistorikerin Catherine Grenier, Leiterin der Giacometti-Stiftung und Biografin des Künstlers, ist dieser "bei der breiten Öffentlichkeit sehr beliebt. Vielleicht weil er weder nach Ehre, noch nach Luxus, noch nach Reisen strebte, sondern im Gegenteil eine große Einfachheit an den Tag legte. Jeder konnte in sein Atelier kommen, er war oft im Café und die Leute konnten sehr leicht mit ihm sprechen. Es ist dieser einfache Lebensstil, der ihn zu einer Referenzfigur macht".

Alberto Giacometti-Stiftung

1965, noch zu Lebzeiten des Künstlers, wurde die Alberto Giacometti-Stiftung mit privaten und öffentlichen Mitteln von einer Gruppe von Kunstliebhabern um Hans C. Bechtler und dem Schweizer Galeristen Ernst Beyeler in Zürich gegründet. Sie erwarb die Giacometti-Sammlung des Pittsburgher Industriellen David Thompson, der viele wichtige Skulpturen aus der avantgardistischen Periode von 1925 bis 1934 und Kopien der meisten Hauptwerke aus den Jahren 1947 bis 1950, Giacomettis kreativsten Phasen, besaß. Der Künstler selbst ergänzt das spätere Werk durch Zeichnungen und mehrere Gemälde. Im Jahr 2006 wurden enge Freunde von Hans C. Bechtler, Bruno und Odette Giacometti der Stiftung 75 Gipse und 15 Bronzen aus dem Nachlass von Alberto Giacometti.

Heute besitzt die Stiftung 170 Skulpturen, 20 Gemälde, 80 Zeichnungen, 23 Skizzenbücher, 39 Bücher mit Randzeichnungen und Drucke. Dieses Inventar umfasst das Werk Alberto Giacomettis, von seinen ersten bis zu seinen letzten Arbeiten, in all seinen wesentlichen Aspekten und zahlreichen und überraschenden Facetten.

Die Sammlung der Alberto Giacometti-Stiftung wird zum größten Teil im Kunsthaus Zürich aufbewahrt und in der Dauerausstellung präsentiert. Auch die Verwaltung und die Dokumentation befinden sich dort. Ein Viertel des Originalinventars ist im Kunstmuseum (Basel) und zehn Prozent im Kunstmuseum Winterthur ausgestellt.

Alberto und Annette Giacometti-Stiftung

Die Alberto und Annette Giacometti-Stiftung (Institut Giacometti) in Paris, die Annette seit 1987 wollte, wird unter großen Schwierigkeiten ins Leben gerufen. Annette Giacometti stirbt 1993 an den Folgen eines chirurgischen Eingriffs in einer psychiatrischen Klinik. Sie hinterlässt 700 Werke ihres Mannes und ein Archiv im Wert von 150 Millionen Euro. Annettes Bruder und Vormund, Michael Arm, bestritt die Gültigkeit ihres Testaments von 1990, in dem sie verfügte, dass der Großteil von Giacomettis Vermögen zur Gründung der Alberto und Annette Giacometti-Stiftung verwendet werden sollte. Sechs Jahre nach ihrem Tod ist die private Stiftung immer noch nicht gemacht mit "im Zentrum dieses Wirrwarrs um den Nachlass: Roland Dumas".

Weitere Probleme entstehen durch die Weigerung der Association Giacometti, die die Witwe 1989 als Vorstufe zur Stiftung gegründet hatte, das Stiftungskapital aufzulösen und freizugeben. Die geplante Stiftung muss die Association Giacometti verklagen. Die folgenden Streitigkeiten erfordern hohe Kapitalsummen, die durch Versteigerungen von Giacomettis Werken aufgebracht werden sollen.

Mit einem Erlass vom 10. Dezember 2003 beendete der damalige französische Premierminister Jean-Pierre Raffarin die Streitigkeiten und ermöglichte so die Gründung der Alberto und Annette Giacometti-Stiftung.

Die Stiftung gründet im April 2004 in Zusammenarbeit mit den anderen Berechtigten, der Alberto Giacometti-Stiftung in Zürich und den Erben von Silvio Berthoud das Giacometti-Komitee, das gegen Fälschungen vorgeht, Gutachten erstellt und Reproduktionsgenehmigungen erteilt. Im Jahr 2011 dotiert sie den Annette-Giacometti-Preis, um das Urheberrecht von Kunstwerken und Künstlern zu schützen. Heute betreibt die Giacometti-Stiftung mit ihrem Giacometti-Institut ein Forschungszentrum mit Ausstellungen, Kolloquien, einer Schule, Stipendien und Publikationen.

Sammlungen

Die umfassendsten Sammlungen von Giacomettis Werken befinden sich heute im Kunsthaus Zürich und in der Fondation Beyeler in Riehen, die von der Fondation Alberto Giacometti ausgeliehen wurden, sowie in der Fondation Alberto et Annette Giacometti in Paris. Letztere besitzt vor allem Objekte aus Giacomettis Atelier, darunter Wandelemente, Möbel und Bücher. Weitere wichtige Sammlungen befinden sich im Museum of Modern Art in New York und in der Fondation Maeght in Saint-Paul-de-Vence. Die Sammlung Carlos Gross in Sent bietet einen guten Überblick über Giacomettis Drucke.

Giacometti stellte sein ganzes Leben lang hohe Anforderungen an seine Arbeit. Er wurde oft von Zweifeln geplagt, was dazu führte, dass er seine Arbeit in der Nacht zerstörte und am nächsten Tag einen Neuanfang machte. "Im Dezember 1965 sagte er, dass er das Ziel, das er sich gesetzt hatte, nie erreichen würde, dreißig Jahre lang hatte er immer geglaubt, dass morgen der Tag sei.

Gemälde, Zeichnungen und Lithografien

Es handelt sich hierbei um einen wichtigen Teil des Werks des Künstlers. Er ist hauptsächlich für seine Porträts bekannt, obwohl er in seiner Jugend auch einige Landschaften und Stillleben gemalt hat. In den 1920er und 1930er Jahren malte er auch abstrakte Bilder.

Giacomettis Kinderbild aus dem Jahr 1913, Stillleben mit Äpfeln, zeigt den charakteristischen Pointillismus seines Vaters Giovanni. Während der Vater versuchte, die Oberfläche zu vereinheitlichen und zu beleben, blickt der Sohn auf das Objekt und seine Körperlichkeit. Nachdem er zu Hause und in der Schule von Schiers mit dem Malen begonnen hatte, malte er weiter, während er ab 1919 in Genf studierte. Um 1925 verdrängte die Hinwendung zur Bildhauerei in Paris die Malerei fast vollständig. Die Porträts des Vaters von 1930 und 1932, drei Gemälde von 1937, darunter Pomme sur le buffet und ein Porträt seiner Mutter, sowie ein Frauenporträt von 1944 blieben Ausnahmen. Die Bilder von 1937, die nach dem Bruch mit den Surrealisten entstanden, unterschieden sich stilistisch von seinen früheren Arbeiten und werden heute als Beginn seiner Reifemalerei angesehen.

Während der Kriegsjahre in der Schweiz nimmt das Zeichnen einen großen Teil von Giacomettis künstlerischer Tätigkeit ein. Beispielsweise kopiert er Paul Cézanne nach Reproduktionen von Büchern. Diese Zeichnungen dienen ihm dazu, die Werke früherer Künstler und Kulturen zu studieren und seine Beziehung zu ihnen zu klären: Er versteht seine Arbeit als eine Fortsetzung von ihnen. In seinen Kopien analysiert er die Vorlagen nicht nach ihrer ursprünglichen Funktion oder ihrer Bedeutung in der Kunstgeschichte, sondern interessiert sich viel mehr für ihre Struktur und Komposition. Bleistiftzeichnungen von 1946

Nach 1946 befassen sich Giacomettis Gemälde und Zeichnungen hauptsächlich mit Porträts und menschlichen Figuren, was ihn dazu anspornt, ständig neue Metamorphosen zu schaffen. Die Perspektive der winzigen Büsten auf den großen Sockeln (1938 bis 1945) verweist auf die künstlerische Vision des Zeichners und Malers. Die "Stockfiguren, die wie Zeichen im Raum stehen" (ab 1947) sind oft mit "malerischen Raumwohnungen" auf dem Malgrund versehen, in denen die "dargestellten Personen ektoplastisch", d. h. von außen plastifiziert, "oder reflektierte Körper" erscheinen. Giacomettis Gemälde weisen eine reduzierte Farbpalette von grau-violett über rosa-gelb bis hin zu schwarz-weiß auf, die "dumpf zusammen auf der Leinwand klingen".

Das malerische Werk lässt sich in Phasen einteilen: 1946 bis 1956 und die folgenden Jahre bis zu seinem Tod im Jahr 1966. Das Thema und der malerische Stil seiner Bilder bleiben gleich: Frontalbilder seiner Frau Annette, seines Bruders Diego, seiner Mutter und die seiner Freunde, später die seiner Geliebten Caroline; Landschaften, Ansichten seines Ateliers oder Stillleben sind gelegentliche Themen. Der Hintergrund ist vielfältig. So zeigen die Werke der ersten Phase eine dargestellte Figur oder einen Gegenstand in einer breiten und klar erkennbaren Umgebung, die beispielsweise als Giacomettis Atelier identifiziert werden kann, während in der zweiten Phase das zentrale Motiv die Komposition dominiert und die Umgebung nur vage erkennbar ist. Seine Porträts werden entweder nach einem Modell oder aus dem Gedächtnis gezeichnet. Die Anzahl seiner Modelle ist relativ begrenzt. Er verwendete auch professionelle Modelle sowie einige seiner Freunde (darunter den Philosophieprofessor Isaku Yanaihara, ab 1955). Seine Porträts zeichnen sich durch das Fehlen von Dekor, den fast monochromen und dunklen Charakter der Palette und die starre Haltung des Modells aus, das immer von vorne gemalt wird, was im Gegensatz zu den zahlreichen Retuschen im Gesicht steht, bis hin zur Auslöschung der ursprünglichen Skizze.

Einer der Gründe für die lithografische Arbeit war Giacomettis erste Ausstellung in der Galerie Maeght im Jahr 1951, die im Juni und Juli stattfand. Er fertigte Illustrationen für das Magazin der Galerie Maeght, Derrière le miroir, an, das die Ausstellung begleitete und dessen Themen Darstellungen aus dem Atelier waren. Die zahlreichen Radierungen und Lithografien, die er ab 1953 schuf, "greifen das Thema der menschlichen Form als Bezugsachse für die Durchdringung der räumlichen Dimensionen auf, das seine bildhauerische Arbeit kennzeichnet", und "modulieren es, indem sie es mit den Zeichen der räumlichen Perspektive konfrontieren." . Giacomettis wichtigstes lithografisches Werk ist die Mappe Paris sans fin mit 150 Lithografien, die an Orte und Personen in Paris erinnern, die ihm viel bedeuteten. Paris sans fin wurde 1969 posthum von seinem Freund, dem Kunstkritiker und Verleger Tériade, veröffentlicht.

Skulpturen und Objekte

In Giacomettis erster Periode entstand 1925 die postkubistische Skulptur Torso. Diese Periode dauerte bis etwa 1927, als er sich mit afrikanischer Kunst und insbesondere mit dem malerischen Ausdruck der zeremoniellen Löffel der westafrikanischen Dan-Kultur beschäftigte, in der die Vertiefung des Löffels die Gebärmutter symbolisiert. Ab 1926 gilt sein Werk Femme cuillère als eines von Giacomettis Hauptwerken aus dieser Zeit. Giacomettis Interesse an dieser Kunst wurde durch neue Publikationen geweckt, die sich mit dem Thema befassten, wie die französische Ausgabe von Carl Einsteins Negerplastik aus dem Jahr 1922, und durch eine Ausstellung im Winter 1923

Die als surrealistisch bezeichnete Periode dauerte von 1930 bis zum Sommer 1934 und endete schließlich 1935, nachdem er aus dem Kreis der Surrealisten ausgeschlossen worden war. Als Giacometti 1930 in der Galerie Pierre Loeb in Paris zum ersten Mal zusammen mit Hans Arp und Joan Miró ausstellte, präsentierte er eine Skulptur mit erotischer Symbolik, Boule suspendue, die aus einem stabilen Metallrahmen mit einer beweglichen Konstruktion im Inneren bestand. Der Bildhauer beschreibt sie in einem Brief von 1948 an Pierre Matisse als eine offene schwebende Kugel, die in einem Käfig aufgeschnitten ist und auf einem Halbmond gleitet. Mit diesem Werk vollendete Giacometti den Übergang zur beweglichen Skulptur und zur Objektkunst. Giacometti schuf auch horizontal positionierte Skulpturen wie das aggressive Sexualobjekt Pointe à l'œil (1931), das die surrealistische Verbindung zwischen dem Auge und der menschlichen Vagina aufzeigt, und Foltermotive wie Hand prise (1932).

1932, als Giacometti bereits seit zehn Jahren in Paris lebte, schuf er On ne joue plus, eine Totenstadt mit kraterförmigen Vertiefungen, Feldgrenzen und einem offenen Sarg, Skeletten, zwei Figuren und dem rückwärts durchgestrichenen Titel. Es ist ein Spiel, in dem "das Leben, und vor allem der Tod, zum unergründlichen Spiel wird". Frau mit durchschnittener Kehle, ebenfalls von 1932, wurde 1940 in Bronze gegossen und von Peggy Guggenheim im Oktober 1942 in ihrer neuen New Yorker Galerie Art of This Century ausgestellt. Eine Zeichnung mit demselben Titel diente als Vorlage für eine Illustration des Textes Musique est l'art de récréer le Monde dans le domaine des sons von Igor Markevitch in der surrealistischen Zeitschrift Minotaure (Bd. I, 1933, Nr. 3-4, S. 78), die von zwei Verbrechen inspiriert war, die im Februar und August 1933 in Le Mans und Paris begangen wurden: die Papin-Affäre und die Vergiftung ihrer Eltern durch die Schülerin Violette Nozière. 1947 schrieb Giacometti über sein letztes surrealistisches Werk, 1 + 1 = 3, ein kegelförmiges, etwa fünf Fuß hohes Werk aus Gips, an dem er im Sommer 1934 arbeitete: "Er konnte damit nicht umgehen und hatte daher das Bedürfnis, Studien aus der Natur zu machen". Später arbeitete er an zwei Köpfen, wobei er Diego und eine professionelle Schaufensterpuppe als Modelle benutzte; diese Veränderung ist ein Grund, ihn des Verrats an der surrealistischen Bewegung zu beschuldigen.

1935 nahm Giacometti seine Naturstudien und die Arbeit an der menschlichen Form wieder auf, und bis 1945 beschäftigte er sich hauptsächlich mit dem Modell und der "Überlegenheit des Raums". Er versucht, seine Skulpturen "bis auf die Knochen zu reduzieren, so dass sie unzerstörbar sind", zugunsten des sie umgebenden Raums, so dass "die Figuren und Köpfe sich immer mehr zusammenzogen, immer kleiner wurden und immer dünner wurden." Die Büste seines Bruders Diego, der ihm in diesen Jahren immer wieder Modell stand, "könnte endlich in einer kleinen Streichholzschachtel mit Sockel verpackt werden!". Die kuboiden Basen, die viel größer sind als die Figuren selbst, sind ein weiteres Stilmittel, um die räumliche Distanz des Modells in die passende Form der Skulptur zu bringen. Seine Beobachtung wird als äußerer Grund für die zunehmenden phänomenologischen Experimente in seinen Plastiken angeführt, "wie Isabel sich 1937 auf dem Boulevard Saint-Michel von ihm entfernte und immer kleiner wurde, ohne ihr Bild, ihr visuelles Gedächtnis, zu verlieren".

Ab 1946 werden Giacomettis Figuren immer länger, die Körper wirken mit ihren relativ breiten Füßen filigran. Die Oberflächenstruktur und die Streckung der Figuren zeigen eine "Verwandtschaft" mit den Skulpturen von Germaine Richier, die wie Giacometti an der Académie de la Grande Chaumière im Atelier von Antoine Bourdelle studiert hatte. Erst als die schlanken Silhouetten menschliche Größe erreichten, wie L'homme au doigt (Der Mann mit dem Finger), erhielten seine ersten kleinen Figuren wenig Aufmerksamkeit und wurden als Studien betrachtet.

1947 und 1950 schuf er die beiden autobiografischen Skulpturen Männerkopf auf Stab und die Bronze Vier Figuren auf Basis, die 1965 gegossen wurde.

Ab 1952 schuf Giacometti schlanke Figuren und Figurengruppen wie Les Femmes de Venise (1956) und L'Hommequi marche I. (1960), kompakte Büsten, Köpfe, unter anderem nach seinem Bruder Diego, seiner Frau Annette und Isaku Yanaihara, sowie drei Büsten des Fotografen Éli Lotar, die als Torso gegeben wurden. Charakteristisch für die späten Skulpturen sind der hervorstehende Kopf, die hervorquellenden Augen, eine skizzierte Nase und ein mit einem Messer geschnittener Mund, wie in Buste d'homme (Diego) New York I aus dem Jahr 1965. Der auf die Form eines Kreuzes reduzierte Oberkörper stützt den auf einem schmalen Hals ruhenden Kopf. Eli Lotar III von 1965 ist Giacomettis letztes Werk, das als Tonfigur unvollendet in seinem Atelier zurückblieb. Die kniende Figur, deren Oberfläche der Form eines gefrorenen Wasserfalls ähnelt, wird von einem schmalen Hals und einem schmalen Kopf dominiert.

1958 schuf Giacometti die Skulptur Das Bein, ein isoliertes, vom Rest des Körpers abgetrenntes Bein mit einer offenen Wunde am Ende des verlängerten Oberschenkels. Er hatte sie bereits 1947 im Kopf, als er Skulpturen wie Tête d'homme sur tige oder Le nez schuf. Die Ursache für die Entstehung dieser "isolierten Körperteile" war zum einen das kollektive Trauma nach dem Zweiten Weltkrieg, zum anderen sein eigener Verkehrsunfall in der Nacht des 10. November 1938 auf der Place des Pyramides in Paris. Der Bildhauer hatte zuvor das "isolierte Bein" überlebensgroß an die Wand seines Ateliers skizziert und war nach Jahren der Verdrängung in der Lage, das Bein als "Schlussstein einer Gruppe von Körperfragmenten" zu bearbeiten. Als André Breton Giacometti 1934 nach seinem Atelier fragte, antwortete er: "Deux pieds qui marchent" (Zwei Füße, die gehen).

Schriften

Während der surrealistischen Periode veröffentlichte Giacometti 1933 in der Nummer 5 der Zeitschrift Le Surréalisme au service de la révolution Gedichte wie Poème en 7 espaces, Le rideaux brun, den Text Charbon d'herbe und in der Nummer 6 einen surrealistischen Text über seine Kindheit, Sables mouvants. Diese und andere Texte wurden in dem Buch Alberto Giacometti. Écrits de 1990, herausgegeben von Michel Leiris und Jacques Dupin. Die Briefe, Gedichte, Essays, Erklärungen und Interviews wurden zwischen 1931 und 1965 verfasst. In dem Essay Meine Wirklichkeit schreibt Giacometti, er wolle mit seiner Kunst überleben und "so frei und so mächtig wie möglich" sein, um seinen "eigenen Kampf zu führen, für das Vergnügen ..., für die Freude ... im Kampf, für die Freude am Gewinnen und am Verlieren". Diese Selbstdarstellung offenbart Existenzphilosophie, die auf Jean-Paul Sartre und Jean Genet basiert.

1946 veröffentlichte der Verleger Albert Skira den autobiografischen Text Le rêve, le sphinx et la mort de T., den Giacometti im selben Jahr in der letzten Ausgabe seiner Zeitschrift Labyrinth verfasst hatte. Der raffiniert assoziativ erzählte Text handelt von Giacomettis Eiterkrankheit, die er sich bei seinem letzten Besuch im Bordell Le Sphinx vor dessen endgültiger Schließung zugezogen hatte, von Annettes und Giacomettis anschließendem Albtraum über die Leiche von Tonio Potoching, dem im Juli 1946 verstorbenen Wächter des Atelierkomplexes in der Rue Hippolyte-Maindron. Im Herzen des Traums befindet sich eine riesige Spinne mit einem Panzer aus Elfenbein. Erst 2002 gelangte das Manuskript, ein Heft mit dem Text und den Zeichnungen, in den Besitz der Alberto Giacometti-Stiftung in Zürich. Der Text besteht aus zwei Teilen: Nach der Beschreibung des Kontexts, in dem er geboren wurde, und der Erzählung selbst, reflektiert Giacometti über das Problem des Schreibens. Das Buch wurde 2005 als Faksimile mit einer neuen Übersetzung neu aufgelegt.

Kunstmarkt und Fälschung

Giacomettis Werke erzielen auf dem Kunstmarkt hohe Preise. Am 3. Februar 2010 wurde L'Homme qui marche I bei Sotheby's in London für 74,2 Millionen Euro verkauft, dreimal so viel wie der höchste Schätzpreis. Zwei kleine Skulpturen mit den Titeln Projet pour un monument pour Gabriel Péri und Projet pour une place wurden 2007 in Köln bei Lempertz Kunsthaus für einen Wert von 1.590.000 Euro inklusive Kosten verkauft. Der Schätzwert lag bei 1.300.000 Euro. Am 11. Mai 2015 wurde bei Christie's in New York sein 1947 entstandenes Werk Der Mann mit dem Finger für den Rekordpreis von 141,2 Millionen US-Dollar versteigert. Die bislang teuerste Skulptur ist nun der Mann mit dem Finger, der im Mai 2015 für rund 141 Millionen US-Dollar den Besitzer wechselte, 35 Millionen US-Dollar mehr als der Gehende Mann I .

Folglich sind Fälschungen von Giacomettis Skulpturen lukrativ. Im August 2009 wurden 1.000 Fälschungen, die in der Nähe von Mainz entdeckt worden waren, von der Polizei beschlagnahmt. Giacometti erleichterte die Arbeit der Fälscher insofern, als er oftmals dieselbe Arbeit von verschiedenen Gießereien gleichzeitig ausführen ließ. Er bearbeitete die Abgüsse nicht selbst, sondern überließ das Ziselieren und Patinieren den Handwerkern nach den Wünschen des Käufers, so dass sich die Werke immer wieder anders darstellten. Das Fehlen eines verbindlichen Catalogue raisonné, den die beiden Giacometti-Stiftungen in Paris und Zürich noch vorbereiten, bietet Fälschern mehr Möglichkeiten, da es nicht möglich ist, die zu seinen Lebzeiten angefertigten Abgüsse sowie die Reproduktionen und Fälschungen, die kurz nach Giacomettis Tod im Jahr 1966 auftauchten, zu identifizieren.

Zeitgenössisch

Der französische Schriftsteller Michel Leiris, der seit Giacomettis surrealistischer Periode mit ihm befreundet war, veröffentlichte in der surrealistischen Zeitschrift Documents, die von Georges Bataille zusammen mit Leiris und Carl Einstein gegründet worden war, in der vierten Ausgabe vom 29. September 1929 den ersten Text mit Fotos über das bildhauerische Werk des Künstlers. Er schrieb: "Es gibt Momente, die man Krisen nennt, und das sind die einzigen, die im Leben zählen. Solche Momente widerfahren uns, wenn etwas Äußeres plötzlich auf unseren inneren Ruf reagiert, wenn die Außenwelt sich auf eine Weise öffnet, dass es eine plötzliche Veränderung zwischen ihr und unserem Herzen gibt. Giacomettis Skulpturen sagen mir etwas, denn alles, was unter seiner Hand entsteht, ist wie die Versteinerung einer solchen Krise." Leiris erkannte schon früh, dass Giacomettis kreatives Stimulans aus dem wiederkehrenden Gefühl einer Krise hervorgegangen sein musste.

Der Fotograf Henri Cartier-Bresson, der selbst vom Surrealismus beeinflusst war, freundete sich in den 1930er Jahren mit Giacometti an und begleitete ihn drei Jahrzehnte lang mit seiner Kamera. Die bekanntesten Bilder stammen aus den Jahren 1938 und 1961. Cartier-Bresson sagte über Giacometti: "Es war eine Freude für mich zu entdecken, dass Alberto die drei gleichen Leidenschaften mit mir teilte: Cézanne, Van Eyck und Uccello." 2005 zeigte das Kunsthaus Zürich die Ausstellung Die Entscheidung des Auges, die Cartier-Bresson selbst mitgestaltet hatte. Die Fotografien, von denen einige noch nie zuvor gezeigt worden waren, sollten die Parallelen in der Arbeit der befreundeten Künstler aufzeigen, die sowohl bei Giacometti als auch bei Cartier-Bresson durch die ständige Suche nach dem entscheidenden Moment gekennzeichnet sind.

Der erste Schriftsteller, der Giacometti erwähnte, war Jean Cocteau in Opium, in einer Notiz aus dem Jahr 1929: "Ich kenne von Giacometti Skulpturen, die so fest, so leicht sind, dass sie wie Schnee aussehen, der die Spuren eines Vogels bewahrt".

Jean-Paul Sartre beschreibt Giacometti in seinem 1947 erschienenen Essay La Quête de l'Absolu (Die Suche nach dem Absoluten) als faszinierenden Gesprächspartner und Bildhauer mit einem festen "Endziel, das es zu erreichen gilt, ein einziges Problem, das es zu lösen gilt: Wie kann man den Menschen aus Stein machen, ohne ihn zu versteinern? Solange dies nicht durch den Bildhauer oder die Kunst der Bildhauerei gelöst ist", "gibt es nur Zeichnungen, die Giacometti nur insofern interessieren, als sie ihn seinem Ziel näher bringen. Er vernichtet sie alle wieder und fängt von vorne an. Manchmal gelingt es seinen Freunden jedoch, eine Büste oder eine Skulptur einer jungen Frau oder eines jungen Mannes vor dem Tod zu retten. Er lässt es geschehen und macht sich wieder an die Arbeit. Die wunderbare Einheit dieses Lebens liegt in der unerschütterlichen Suche nach dem Absoluten".

Jean Genet beschreibt Giacometti und seine Arbeit in seinem Essay L'Atelier d'Alberto Giacometti von 1957 im Gegensatz zu Sartres intellektuellen Thesen über den gemeinsamen Freund mit Emotionen: "Seine Statuen fallen mir auf, wie sie sich schließlich in eine geheime Zerbrechlichkeit flüchten, die ihnen die Einsamkeit verleiht. Da die Statuen im Moment sehr hoch sind - aus braunem Ton -, wandern seine Finger, wenn er vor ihnen steht, von oben nach unten wie die eines Gärtners, der ein Rosenspalier schneidet oder pfropft. Die Finger spielen an der Statue entlang und das ganze Atelier vibriert, wird lebendig."

Aktuelle Wahrnehmung

Im April 1969 forderte der Kunsthistoriker und -kritiker Jean-Jacques Lévêque diejenigen, die nicht mehr an die Zukunft der Malerei glaubten, auf, in die Rue des Beaux-Art in Paris zu gehen und sich die Ausstellung von Giacomettis Zeichnungen in der Galerie Claude Bernard und die Ausstellung von Herman Braun in der Galerie 9 anzusehen, "die ihnen zeigen werden, dass für die gemalte Oberfläche noch eine große Zukunft möglich ist". Er hebt insbesondere in Giacomettis Zeichnungen die zunehmende Dichte der Striche um die Interessenschwerpunkte der Kompositionen hervor, wodurch die wahrgenommene Realität dem Schein vorgezogen wird, sowie die Fähigkeit des Meisters, Volumen und Licht mit einem Radiergummi entstehen zu lassen.

Der Kunsthistoriker Werner Schmalenbach vergleicht die Darstellung der menschlichen Einsamkeit in Giacomettis Gemälden mit der Arbeit von Francis Bacon. Wie Giacometti "formuliert dieser in einem räumlichen Dekor das Ausgesetzte, das in die Welt des menschlichen Wesens geworfene Sein". Giacometti suggeriert dies durch die starre Frontalität und den verlorenen Blick, während Bacon die totale Verrenkung der Gliedmaßen und die tödliche Grimasse des Gesichts schildert.

Geburtstag Giacomettis im Jahr 2001 erklärte der Sammler, Kunsthändler und Freund Eberhard W. Kornfeld, dass er in Giacomettis Wiederbelebung der figurativen Zeichnung einen bedeutenden Beitrag zur modernen Kunst sehe: "Aber seine Kunst ist auch ein Ausdruck seiner Zeit - was Sartre für die Literatur war, war Giacometti für die Kunst: Er ist der Maler des Existentialismus."

Der Einfluss der altägyptischen Kunst auf Giacomettis Werk war Gegenstand einer Ausstellung im Ägyptischen Museum in Berlin, Giacometti, der Ägypter, die ab Ende 2008 in Berlin und ab Februar 2009 im Kunsthaus Zürich gezeigt wurde. Giacometti begegnet der ägyptischen Skulptur in Florenz während seines ersten Aufenthalts in Italien im Jahr 1920.

Der Kunstkritiker Dirk Schwarze, seit 1972 Kenner der Documenta-Ausstellungen, schreibt in seinem Buch Meilensteine: Die documenta 1 bis 12 aus dem Jahr 2007, dass Giacometti "sich mit seinen länglichen, schlanken Figuren in die Kunstgeschichte eingeschrieben hat". Der Bildhauer war nicht am Volumen oder an der Form einzelner Stücke interessiert. Er reduzierte die Figur auf ihre entfernte Erscheinung, ihre Haltung und ihre Bewegung. Die Figuren wurden zu Zeichen des Menschen, die überall verstanden werden - genauso wie A. R. Penck später Menschen als symbolische Elemente in seinen Bildern malte.

Anlässlich einer Giacometti-Ausstellung in der Fondation Beyeler im Jahr 2009 in Riehen bei Basel zeigt ihr Kurator Ulf Küster den Künstler und seine Werke als zentrale Figur im Kontext der Werke seiner Künstlerfamilie. Der Austausch mit seiner Familie ist für Alberto von großer Bedeutung. Sein Vater, der Maler Giovanni Giacometti, stellt eine besondere Referenz für ihn dar. In einem Interview sagte Küster unter anderem, Giacometti habe die Idee gehabt, das Zentrum eines Systems zu sein, wie er es in seinem späten surrealistischen Text Der Traum, die Sphinx und der Tod von T. beschrieb, ein Zentrum, in dem alle Ereignisse um ihn herum zentriert sind. Küster hält dies für einen wichtigen Schlüssel zum Verständnis seiner Arbeit. Er betont, dass Giacometti nie den Schritt zur Abstraktion gegangen ist, aber dass seine seriellen Formationen, das "nie enden wollen und können" der grundlegenden konzeptuellen Idee der Moderne entsprechen. Alberto ging von der Malerei zur Bildhauerei über. Eine malerische Technik findet sich beispielsweise auf den rauen Oberflächen der späten Skulpturen wieder. In seinem Beitrag zum Ausstellungskatalog weist Ulf Küster auf die Schwierigkeiten hin, die mit der Planung einer Giacometti-Ausstellung verbunden sind. Bei den vielen Facetten seiner Arbeit ist nur eine Annäherung möglich, einer der Gründe dafür ist Giacomettis künstlerisches Prinzip der nie erreichten Perfektion. Obwohl sich bislang zahlreiche Ausstellungen mit Giacometti befasst haben, ist Küster der Ansicht, dass Albertos Nachlass nicht abschließend bewertet wurde.

In Giacomettis surrealistischer Periode von 1930 bis 1934 standen der Künstler, seine Objekte und Skulpturen zum ersten Mal im Rampenlicht der surrealistischen Bewegung. Seine Arbeiten aus dieser Zeit beeinflussen beispielsweise Max Ernst und den jungen Henry Moore. Ab 1948 sind es die Skulpturen und Gemälde in seinem reifen Stil, die seine Zeitgenossen und Künstlerkollegen beeindrucken. Die zahlreichen Giacometti-Ausstellungen, die noch heute weltweit stattfinden, zeugen von dem hohen künstlerischen Anspruch seiner Arbeit.

Von Mai bis August 2008 wird die Ausstellung En perspective, Giacometti im Musée des Beaux-Arts in Caen gezeigt. Als Initiatorin trägt die Alberto und Annette Giacometti-Stiftung zu etwa dreißig Leihgaben von Giacomettis Skulpturen, Objekten, Zeichnungen und Gemälden bei. Sie stehen in Verbindung mit Werken zeitgenössischer Künstler: Georg Baselitz, Jean-Pierre Bertrand, Louise Bourgeois, Peter Fischli und David Weiss, Antony Gormley, Donald Judd, Alain Kirili, Jannis Kounellis, Annette Messager, Dennis Oppenheim, Gabriel Orozco, Javier Pérez, Sarkis, Emmanuel Saulnier und Joel Shapiro.

Skulpturen

Die Skulpturen bestanden hauptsächlich aus Gips, von denen viele in den 1950er Jahren in Bronze gegossen wurden. Das Jahr, in dem die Bronze gegossen wurde, konnte nicht in allen Fällen bestimmt werden.

Gemälde und Zeichnungen

Der deutsche Bildhauer Lothar Fischer lernte Giacometti 1962 auf der Biennale in Venedig persönlich kennen. Er schätzte dessen Auffassung von Figur und Raum sowie von Form und Sockel und widmete seinem Vorbild 1987 zwei skulpturale Werke

1996 fand die Uraufführung der Kammeroper Giacometti der rumänischen Komponistin Carmen Maria Cârneci im Neuen Musiktheater Bonn unter ihrer Leitung statt.

Von Oktober 1998 bis September 2019 zeigt die Schweizer Banknotenserie eine Zeichnung zu Ehren von Alberto Giacometti auf der 100-Franken-Note; ein Porträt des Künstlers von Ernst Scheidegger erscheint auf der Vorderseite, und seine Plastik L'Homme qui marche I wird aus vier verschiedenen Perspektiven auf der Rückseite gezeigt, zusammen mit zwei weiteren Werken.

Todestag des Künstlers im Jahr 2016 beteiligt sich das Centro Giacometti an der Organisation des Bergeller Gedenkprogramms, das von der Gemeinde Bregaglia koordiniert wird. Außerdem stellt es das Projekt Centro Giacometti 2020 vor.

Im Jahr 2018 wird das Institut Giacometti in der 5 rue Victor-Schœlcher im (14. Arrondissement von Paris) eröffnet.

Im 14. Arrondissement von Paris gibt es einen Alberto-Giacometti-Platz.

Der Asteroid (11905) Giacometti wurde 1991 entdeckt und trägt seit 2001 den Namen des Künstlers.

Filme über Giacometti und sein Werk

Jean-Marie Drots 52-minütiger Schwarz-Weiß-Film Un homme parmi les hommes aus dem Jahr 1963 zeigt Giacometti bei einem Filminterview. Jean-Marie Drot war der erste, der den Künstler filmen durfte. Der Film beschreibt ihn als Bohemien und Perfektionisten und zeigt mehr als 180 seiner Werke. Unter dem Titel Qu'est-ce qu'une tête? dreht Michel Van Zele im Jahr 2000 einen 64-minütigen dokumentarischen Essayfilm über die Frage, die Giacometti sein ganzes Leben lang beschäftigen wird. Van Zele rekonstruiert Giacomettis ständige Suche nach der Natur des menschlichen Kopfes und lässt Zeugen der Vergangenheit und der Gegenwart zu Wort kommen, darunter den Biografen von Balthus und Giacometti, Jacques Dupin. Die beiden Filme sind seit 2006 auf einer DVD kombiniert.

1965 drehte der Fotograf Ernst Scheidegger, der die Werke des Künstlers seit 1943 fotografiert hatte, in Stampa und Paris den Film Alberto Giacometti. Er zeigt den Künstler bei der Arbeit an einem Gemälde von Jacques Dupin und im Gespräch mit dem Dichter, während er eine Büste modelliert. Der Film wurde später durch Interviews ergänzt.

Giacometti war 1955 am Porträt von Jean Genet in der vom WDR produzierten Fernsehserie 1000 Meisterwerke beteiligt, die von 1981 bis 1994 in 10-minütigen Sendungen im deutschen Fernsehen, im ORF und im Bayerischen Fernsehen über meisterhafte Gemälde berichtete.

2001 drehte Heinz Bütler den Dokumentarfilm Alberto Giacometti - Die Augen am Horizont, der auf dem Buch Écrits de Giacometti basiert. In Gesprächen mit Weggefährten und Zeitzeugen wie Balthus, Ernst Beyeler und Werner Spies wird der Künstler in einer knappen Stunde kurz beschrieben. In weiteren 25 Minuten spricht der Giacometti-Biograf James Lord über das Leben des Künstlers. Der Film wurde 2007 als Film vorgestellt und ist auf DVD erhältlich.

Alberto Giacometti, The Final Portrait ist ein Biopic von Stanley Tucci über den Künstler, das am 11. Februar 2017 veröffentlicht wurde, seine Weltpremiere auf der Berlinale 2017 feierte und im August 2017 in die deutschen Kinos kam.

Auszeichnungen

: Dokument, das als Quelle für diesen Artikel verwendet wurde.

Zeugnisse von Familienmitgliedern und Weggefährten

Biografien

Erhebungen, Ausstellungskataloge und Buchinventare

Quellen

1. Alberto Giacometti
2. Alberto Giacometti
3. Angela Schneider: Wie aus weiter Ferne. Konstanten im Werk Giacomettis. In: Angela Schneider: Giacometti. S. 71
4. Dieter Honisch: Groß und klein bei Giacometti. In: Angela Schneider: Giacometti. S. 65
5. Reinhold Hohl: Lebenschronik. In: Angela Schneider: Giacometti. S. 26
6. Angela Schneider, Wie aus weiter Ferne. Konstanten im Werk Giacomettis, Angela Schneider: Giacometti. p. 71
7. Dieter Honisch: Groß und klein bei Giacometti, Angela Schneider: Giacometti. p. 65
8. Reinhold Hohl: Lebenschronik, Angela Schneider: Giacometti. p. 26
9. Lucius Grisebach: Die Malerei, Angela Schneider: Giacometti. p. 82
10. ^ "Giacometti, Alberto". Lexico UK English Dictionary. Oxford University Press. Archived from the original on 20 March 2022.
11. ^ "Giacometti". Merriam-Webster.com Dictionary. Retrieved 28 July 2019.
12. ^ Gerber, Louis (8 September 2001). "Alberto Giacometti". Cosmopolis. Retrieved 4 July 2024.