Resumé

Fred Astaire (10. maj 1899 - 22. juni 1987) var en amerikansk danser, skuespiller, sanger, koreograf og tv-vært. Han anses af mange for at være den største danser i filmhistorien.

Hans scene- og efterfølgende film- og tv-karriere strakte sig over i alt 76 år. Han spillede hovedrollen i mere end 10 Broadway- og West End-musicals, lavede 31 musicalfilm, fire tv-programmer og adskillige indspilninger. Som danser havde han en uhyggelig rytmesans, perfektionisme og innovation. Hans mest mindeværdige dansepartnerskab var med Ginger Rogers, som han spillede sammen med i en række af ti Hollywood-musicals i den klassiske Hollywood-films tidsalder, herunder Top Hat (1935), Swing Time (1936) og Shall We Dance (1937). Blandt de andre bemærkelsesværdige film, hvor Astaire opnåede yderligere popularitet og bragte steppedansgenren til et nyt niveau, var Holiday Inn (1942), Easter Parade (1948), The Band Wagon (1953), Funny Face (1957) og Silk Stockings (1957). Det amerikanske filminstitut kaldte Astaire den femte største mandlige stjerne i den klassiske Hollywood-film i 100 år... 100 stjerner.

1899-1916: Tidligt liv og karriere

Fred Astaire blev født som Frederick Austerlitz den 10. maj 1899 i Omaha, Nebraska, som søn af Johanna "Ann" (1878-1975) og Friedrich "Fritz" Emanuel Austerlitz i USA: Frederic Austerlitz (1868-1923). Astaires mor blev født i USA som barn af lutherske tyske indvandrere fra Østpreussen og Alsace. Astaires far blev født i Linz i Østrig af romersk-katolske forældre, der var konverteret fra jødedommen.

Astaires far, Fritz Austerlitz, ankom til New York City i en alder af 25 år den 26. oktober 1893 på Ellis Island. Fritz søgte arbejde i bryggeribranchen og flyttede til Omaha, Nebraska, hvor han blev ansat hos Storz Brewing Company. Astaires mor drømte om at flygte fra Omaha ved hjælp af sine børns talenter. Astaires storesøster, Adele, var en instinktiv danser og sangerinde tidligt i sin barndom. Johanna planlagde et "bror og søster nummer", som var almindeligt i vaudeville på den tid, for sine to børn. Selv om Fred i begyndelsen nægtede at tage danseundervisning, efterlignede han let sin storesøsters trin og begyndte at spille klaver, harmonika og klarinet.

Da deres far mistede sit job, flyttede familien til New York City i januar 1905 for at starte børnenes karriere i showbusiness. De begyndte at blive uddannet på Alvieni Master School of the Theatre and Academy of Cultural Arts. Fred og Adeles mor foreslog, at de skulle ændre deres navn til "Astaire", da hun mente, at "Austerlitz" mindede om slaget ved Austerlitz. Ifølge en familielegende skal navnet være blevet givet til en onkel med efternavnet "L'Astaire".

De blev undervist i dans, tale og sang som forberedelse til at udvikle et nummer. Deres første nummer blev kaldt Juvenile Artists Presenting an Electric Musical Toe-Dancing Novelty. Fred bar høj hat og haler i første halvdel og et hummerkostume i anden halvdel. I et interview bemærkede Astaires datter, Ava Astaire McKenzie, at de ofte gav Fred en høj hat på for at få ham til at se højere ud. I november 1905 debuterede det fjollede nummer i Keyport, New Jersey, på et "prøve teater". Den lokale avis skrev: "Astaires er det bedste børnenummer i vaudeville".

Som et resultat af deres fars salgsteknik fik Fred og Adele en stor kontrakt og spillede på Orpheum Circuit i Midtvesten, vestlige og sydlige byer i USA. Snart blev Adele mindst fem centimeter højere end Fred, og parret begyndte at se uoverensstemmende ud. Familien besluttede at tage en toårig pause fra showbusiness for at lade tiden gå sin gang og for at undgå problemer med Gerry Society og datidens børnearbejdslove. I 1912 blev Fred episkopalist. Astaire-søskendeparrets karriere blev genoptaget med blandet held, men med stigende dygtighed og finesse, efterhånden som de begyndte at inddrage stepdans i deres rutiner. Astaires dans blev inspireret af Bill "Bojangles" Robinson og John "Bubbles" Sublett. Af vaudeville-danseren Aurelio Coccia lærte de tango, vals og andre selskabsdansestilarter, som Vernon og Irene Castle havde gjort populære. Nogle kilder hævder, at søskendeparret Astaire optrådte i en film fra 1915 med titlen Fanchon, the Cricket, med Mary Pickford i hovedrollen, men Astaires har konsekvent benægtet dette.

I en alder af 14 år havde Fred påtaget sig det musikalske ansvar for deres nummer. I 1916 mødte han første gang George Gershwin, der arbejdede som sangplugger for Jerome H. Remicks musikforlag. Fred havde allerede været på jagt efter nye musik- og danseidéer. Deres tilfældige møde skulle komme til at påvirke begge kunstneres karrierer dybt. Astaire var altid på udkig efter nye trin på banen og var begyndt at demonstrere sin uophørlige søgen efter nyt og perfektion.

1917-1933: Broadway og i London

Astaires brød igennem på Broadway i 1917 med Over the Top, en patriotisk revy, og optrådte også på dette tidspunkt for de amerikanske og allierede tropper. De fulgte op med flere andre shows. Om deres arbejde i The Passing Show i 1918 skrev Heywood Broun: "På en aften, hvor der var en overflod af god dans, skilte Fred Astaire sig ud ... Han og hans partner, Adele Astaire, fik showet til at holde pause tidligt på aftenen med en smuk løsbenet dans."

Adeles glimt og humor tiltrak sig meget af opmærksomheden, hvilket til dels skyldtes Freds omhyggelige forberedelse og skarpe koreografi. Hun var stadig toneangivende for deres nummer. Men på dette tidspunkt var Astaires dansefærdigheder begyndt at overstråle sin søsters.

I løbet af 1920'erne optrådte Fred og Adele på Broadway og på Londons scener. De vandt populær anerkendelse hos teaterpublikummet på begge sider af Atlanten i shows som Jerome Kerns The Bunch and Judy (1922), George og Ira Gershwins Lady, Be Good (1924) og Funny Face (1927) og senere i The Band Wagon (1931). Astaires stepdans var dengang anerkendt som en af de bedste. For eksempel skrev Robert Benchley i 1930: "Jeg tror ikke, at jeg vil kaste nationen ud i krig ved at sige, at Fred er den bedste stepdanser i verden." I London studerede Fred klaver på Guildhall School of Music sammen med sin ven og kollega Noël Coward, og i 1926 var han en af dommerne ved konkurrencen "Charleston (dance) Championship of the World" i Royal Albert Hall, hvor Lew Grade blev udråbt til vinder.

Efter afslutningen af Funny Face tog Astaires til Hollywood for at prøvefilme (som nu er gået tabt) hos Paramount Pictures, men Paramount fandt dem uegnede til film.

De gik fra hinanden i 1932, da Adele giftede sig med sin første mand, Lord Charles Cavendish, den anden søn af den 9. hertug af Devonshire. Fred fik succes på egen hånd på Broadway og i London med Gay Divorce (senere filmatiseret som The Gay Divorcee), mens han overvejede tilbud fra Hollywood. Afslutningen af partnerskabet var traumatisk for Astaire, men stimulerede ham til at udvide sit virkefelt.

Fred var fri af det tidligere pars bror-søster begrænsninger og arbejdede sammen med sin nye partner Claire Luce og skabte en romantisk partnerdans til Cole Porters "Night and Day", som var skrevet til Gay Divorce. Luce sagde, at hun måtte opmuntre ham til at vælge en mere romantisk tilgang: "Kom nu, Fred, jeg er ikke din søster, du ved.":  6 Teaterstykkets succes blev tilskrevet dette nummer, og da det blev gengivet i The Gay Divorcee (1934), filmversionen af stykket, indledte det en ny æra inden for filmet dans: 23, 26, 61 For nylig blev filmmateriale, som Fred Stone havde optaget af Astaire i Gay Divorce med Luces efterfølger, Dorothy Stone, i New York i 1933, afsløret af danseren og historikeren Betsy Baytos, og det er nu det tidligst kendte optagelsesmateriale af Astaire.

1933-1939: Astaire og Ginger Rogers hos RKO

Ifølge Hollywood-folkloreen skulle en testrapport om Astaire for RKO Radio Pictures, som nu er forsvundet sammen med testen, have lydt som følger: "Kan ikke synge. Kan ikke spille skuespil. Skaldet. Kan danse en smule." Producenten af Astaire-Rogers-filmene, Pandro S. Berman, hævdede, at han aldrig havde hørt historien i 1930'erne, og at den først dukkede op flere år senere. 7 Astaire præciserede senere og insisterede på, at rapporten havde lydt: "Astaire har ikke været i stand til at skrive: "Kan ikke spille skuespil. Lidt skaldet. Danser også." Under alle omstændigheder var testen tydeligvis skuffende, og David O. Selznick, der havde skrevet kontrakt med Astaire til RKO og bestilt testen, udtalte i et notat: "Jeg er usikker på manden, men jeg føler, på trods af hans enorme ører og dårlige hage, at hans charme er så enorm, at den kommer igennem selv i denne elendige test.":  7

Dette havde dog ingen indflydelse på RKO's planer for Astaire. De lånte ham i et par dage ud til MGM i 1933 til hans betydningsfulde Hollywood-debut i den succesfulde musicalfilm Dancing Lady. I filmen optrådte han som sig selv, der dansede med Joan Crawford. Da han vendte tilbage til RKO, fik han en femteplads efter Ginger Rogers med fjerdeplads i Dolores del Río-filmen Flying Down to Rio fra 1933. I en anmeldelse tilskrev magasinet Variety den massive succes til Astaires tilstedeværelse:

Det vigtigste i Flying Down to Rio er Fred Astaires løfte på skærmen ... Han er helt sikkert en satsning efter denne her, for han er udpræget sympatisk på skærmen, mikrofonen er venlig over for hans stemme, og som danser er han stadig i en klasse for sig selv. Sidstnævnte bemærkning vil ikke være nogen nyhed for faget, som længe har indrømmet, at Astaire begynder at danse, når de andre holder op med at hoppe..:  7

Da Astaire allerede var blevet kædet sammen med sin søster Adele på scenen, var han i begyndelsen meget tilbageholdende med at blive en del af endnu et dansehold. Han skrev til sin agent: "Jeg har ikke noget imod at lave endnu en film med hende, men denne idé om et hold er ude af verden! Jeg har lige formået at leve et partnerskab ned, og jeg ønsker ikke at blive generet af flere.":  8 Han lod sig dog overtale af den åbenlyse tiltrækningskraft, som parret Astaire-Rogers havde på offentligheden. Partnerskabet og Astaire og Hermes Pan's koreografi var med til at gøre dansen til et vigtigt element i Hollywood-filmmusicalen.

Astaire og Rogers lavede ni film sammen hos RKO. Disse omfattede Flying Down to Rio (1933), The Gay Divorcee (1934), Roberta (1935, hvor Astaire også demonstrerer sine ofte oversete klaverfærdigheder med en livlig solo på "I Won't Dance"), Top Hat (1935), Follow the Fleet (1936), Swing Time (1936), Shall We Dance (1937), Carefree (1938) og The Story of Vernon and Irene Castle (alle filmene gav en vis prestige og kunstnerisk kvalitet, som alle studierne eftertragtede på den tid. Deres partnerskab løftede dem begge til stjernestatus; som Katharine Hepburn efter sigende sagde: "Han giver hende klasse, og hun giver ham sexappeal":  134 Astaire fik en procentdel af filmens overskud, hvilket var en sjældenhed i skuespillerkontrakterne på den tid.

Astaire revolutionerede dansen på film ved at have fuld selvstændighed over dens præsentation. Han er krediteret for to vigtige nyskabelser i de tidlige filmmusicals: 23, 26. For det første insisterede han på, at et tætfølende dolly-kamera skulle filme en danserutine i så få optagelser som muligt, typisk med kun fire til otte klip, mens danserne hele tiden skulle være fuldt synlige. Dette gav illusionen af et næsten stationært kamera, der filmede en hel dans i et enkelt billede. Astaire sagde som bekendt: "Enten danser kameraet, eller også danser jeg.":  420 Astaire fastholdt denne politik fra The Gay Divorcee i 1934 til sin sidste filmmusical Finian's Rainbow i 1968, hvor instruktøren Francis Ford Coppola underkendte ham.

Astaires stil med dansesekvenser gjorde det muligt for seeren at følge danserne og koreografien i sin helhed. Denne stil adskilte sig markant fra dem i Busby Berkeley-musicalerne. Disse musicals' sekvenser var fyldt med ekstravagante luftoptagelser, snesevis af klip for hurtige optagelser og zoom på kropsområder som f.eks. en række arme eller ben i koret.

Astaires anden nyskabelse vedrørte konteksten af dansen; han var fast besluttet på, at alle sang- og danserutiner skulle være integreret i filmens handling. I stedet for at bruge dansen som et skuespil, som Busby Berkeley gjorde det, brugte Astaire den til at føre handlingen fremad. Typisk indeholdt en Astaire-film mindst tre standarddanser. Den ene var en solooptræden af Astaire, som han kaldte sin "sock solo". En anden var en komediedans i par. Endelig ville han inkludere en romantisk dans i parløb.

Dansekommentatorer Arlene Croce: 146-147 og John Mueller: 8, 9 mener, at Rogers har været Astaires bedste dansepartner, et synspunkt, som deles Filmkritiker Pauline Kael indtager en mere neutral holdning, mens filmkritiker Richard Schickel fra Time Magazine skriver: "Nostalgien omkring Rogers-Astaire har en tendens til at udviske andre partnere."

Mueller opsummerer Rogers' evner på følgende måde:

Rogers var enestående blandt Astaires partnere, ikke fordi hun var bedre end andre som danser, men fordi hun som en dygtig, intuitiv skuespillerinde var snu nok til at indse, at skuespillet ikke stoppede, når dansen begyndte ... grunden til, at så mange kvinder har fantaseret om at danse med Fred Astaire, er, at Ginger Rogers gav indtryk af, at det at danse med ham er den mest spændende oplevelse, man kan forestille sig.

Ifølge Astaire "havde Ginger aldrig danset med en partner før Flying Down to Rio. Hun simulerede det meget. Hun kunne ikke steppe, og hun kunne ikke gøre det ene og det andet ... men Ginger havde stil og talent og forbedrede sig efterhånden som hun kom videre. Hun blev så god, at efter et stykke tid så alle andre, der dansede med mig, forkert ud." På s. 162 i hans bog Ginger: Salute to a Star, citerer forfatteren Dick Richards Astaire for at sige til Raymond Rohauer, kurator for New York Gallery of Modern Art: "Ginger var strålende effektiv. Hun fik alting til at fungere for hende. Faktisk gjorde hun tingene meget godt for os begge to, og hun fortjener størstedelen af æren for vores succes."

I 1976 spurgte den britiske talkshow-vært Sir Michael Parkinson Astaire, hvem hans yndlingsdanspartner var på Parkinson. I første omgang nægtede Astaire at svare. Men til sidst sagde han: "Undskyld mig, jeg må sige, at Ginger helt sikkert var, øh, øh, den eneste ene. Du ved, den mest effektive partner, jeg havde. Det ved alle."

Rogers beskrev, at Astaires kompromisløse standarder omfattede hele produktionen: "Nogle gange finder han på en ny dialoglinje eller en ny vinkel på historien ... de ved aldrig, hvornår på natten han ringer op og begynder at rase begejstret ud om en ny idé ... Der er ingen, der sløser på arbejdet med en Astaire-film, og der bliver ikke sparet på hjørnerne.":  16

På trods af deres succes var Astaire ikke villig til at lade sin karriere være bundet udelukkende til et partnerskab. Han forhandlede med RKO om at starte på egen hånd med A Damsel in Distress i 1937 med en uerfaren, ikke-dansende Joan Fontaine, uden held, som det viste sig at være. Han vendte tilbage for at lave yderligere to film med Rogers, Carefree (1938) og The Story of Vernon and Irene Castle (1939). Selv om begge film opnåede respektable bruttoindtægter, tabte de begge penge på grund af øgede produktionsomkostninger: 410 og Astaire forlod RKO, efter at de var blevet betegnet som "kassegift" af Independent Theatre Owners of America. Astaire blev genforenet med Rogers i 1949 hos MGM i deres sidste film, The Barkleys of Broadway, den eneste af deres film sammen, der blev optaget i Technicolor.

1940-1947: Holiday Inn, førtidspensionering

Astaire forlod RKO i 1939 for at blive freelance og søge nye filmmuligheder, med blandede, men generelt vellykkede resultater. I hele denne periode fortsatte Astaire med at sætte pris på input fra koreografiske samarbejdspartnere. I modsætning til 1930'erne, hvor han næsten udelukkende arbejdede med Hermes Pan, benyttede han sig af andre koreografers talenter for at forny sig hele tiden. Hans første dansepartner efter Ginger var den frygtindgydende Eleanor Powell, der blev betragtet som den mest exceptionelle kvindelige stepdanser i sin generation. De spillede hovedrollen i Broadway Melody fra 1940, hvor de opførte en berømt udvidet danserutine til Cole Porters "Begin the Beguine". I sin selvbiografi Steps in Time bemærkede Astaire: "Hun 'lagde dem ned' som en mand, ikke noget ricky-ticky-sissy-agtigt med Ellie. Hun kunne virkelig lave en stepdans i en klasse for sig selv."

Han spillede sammen med Bing Crosby i Holiday Inn (1942) og senere Blue Skies (1946). Men på trods af den enorme økonomiske succes i begge roller var han efter sigende utilfreds med roller, hvor han tabte pigen til Crosby. Den førstnævnte film er mindeværdig for hans virtuose solodans til "Let's Say it with Firecrackers". I den sidste film blev "Puttin' On the Ritz" vist, en innovativ sang- og danserutine, som er uudsletteligt forbundet med ham. Andre partnere i denne periode var Paulette Goddard i Second Chorus (1940), hvor han dansede og dirigerede Artie Shaw-orkestret.

Han lavede to film med Rita Hayworth. Den første film, You'll Never Get Rich (1941), katapulterede Hayworth til stjernestatus. I filmen integrerede Astaire for tredje gang latinamerikanske dansestilarter i sin stil (den første var med Ginger Rogers i "The Carioca"-nummeret fra Flying Down to Rio (1933) og den anden, igen med Rogers, var "Dengozo"-dansen fra The Story of Vernon and Irene Castle (1939))). Hans anden film med Hayworth, You Were Never Lovelier (1942), var lige så vellykket. Den indeholdt en duet til Kerns "I'm Old Fashioned", som blev det centrale element i Jerome Robbins' New York City Ballets hyldest til Astaire i 1983. Han optrådte næste gang over for den 17-årige Joan Leslie i krigsdramaet The Sky's the Limit (1943). I den introducerede han Arlen og Mercers "One for My Baby", mens han dansede på en bardisk i en mørk og urolig rutine. Astaire koreograferede denne film alene og opnåede en beskeden succes ved billetlugerne. Den repræsenterede en bemærkelsesværdig afvigelse for Astaire fra hans sædvanlige charmerende, glade og lykkelige filmpersonlighed og forvirrede de samtidige kritikere.

Hans næste partner, Lucille Bremer, var med i to overdådige film, begge instrueret af Vincente Minnelli. Fantasien Yolanda and the Thief (1945) indeholdt en avantgarde surrealistisk ballet. I musicalrevyen Ziegfeld Follies (1945) dansede Astaire sammen med Gene Kelly til Gershwin-sangen "The Babbit and the Bromide", en sang, som Astaire havde introduceret sammen med sin søster Adele tilbage i 1927. Mens Follies var et hit, gik Yolanda galt i kassen.

Astaire var altid usikker og troede, at hans karriere var ved at gå i stå, og han overraskede sit publikum ved at annoncere sin pensionering under produktionen af sin næste film Blue Skies (1946). Han nominerede "Puttin' on the Ritz" som sin afskedsdans. Efter at have annonceret sin pensionering i 1946 koncentrerede Astaire sig om sine hestevæddeløb og grundlagde i 1947 Fred Astaire Dance Studios, som han senere solgte i 1966.

1948-1957: MGM-film og anden pensionering

Astaires pensionering varede ikke længe. Astaire vendte tilbage til det store lærred for at erstatte en skadet Gene Kelly i Easter Parade (1948) over for Judy Garland, Ann Miller og Peter Lawford. Han fulgte op med et sidste gensyn med Rogers (i stedet for Judy Garland) i The Barkleys of Broadway (1949). Begge disse film genoplivede Astaires popularitet, og i 1950 spillede han hovedrollen i to musicals. Three Little Words med Vera-Ellen og Red Skelton var for MGM. Let's Dance med Betty Hutton var udlånt til Paramount. Mens Three Little Words klarede sig ganske godt i biografen, var Let's Dance en økonomisk skuffelse. Royal Wedding (1951) med Jane Powell og Peter Lawford blev en stor succes, men The Belle of New York (1952) med Vera-Ellen var en kritiker- og kassesucces. The Band Wagon (1953) fik rosende anmeldelser fra kritikerne og tiltrak store publikumsmængder. Men på grund af de høje omkostninger lykkedes det ikke at få et overskud ved første udgivelse.

Kort efter blev Astaire, ligesom de andre tilbageværende stjerner hos MGM, fyret fra sin kontrakt på grund af tv's fremkomst og nedskæringen af filmproduktionen. I 1954 var Astaire ved at påbegynde arbejdet på en ny musical, Daddy Long Legs (1955) med Leslie Caron hos 20th Century Fox. Så blev hans kone Phyllis syg og døde pludselig af lungekræft. Astaire var så sørgende, at han ønskede at lukke filmen og tilbød at betale produktionsomkostningerne af egen lomme. Men Johnny Mercer, filmens komponist, og studievejledere fra Fox-studiet overbeviste ham om, at arbejdet ville være det bedste for ham. Daddy Long Legs klarede sig kun moderat godt i biografen. Hans næste film for Paramount, Funny Face (1957), var sammen med Audrey Hepburn og Kay Thompson. På trods af produktionens overdådighed og de gode anmeldelser fra kritikerne lykkedes det ikke at tjene omkostningerne ind igen. På samme måde tabte Astaires næste projekt - hans sidste musical hos MGM, Silk Stockings (1957), hvor han spillede sammen med Cyd Charisse - også penge i kassen.

Bagefter meddelte Astaire, at han trak sig tilbage fra at danse i filmen. Hans arv på dette tidspunkt var 30 musicalfilm på 25 år.

1957-1981: Tv-udsendelser, alvorlige roller

Astaire trak sig ikke helt tilbage fra dansen. Han lavede en række af fire Emmy Award-vindende musikalske specialprogrammer for tv i 1958, 1959, 1960 og 1968. I hver af dem medvirkede Barrie Chase, med hvem Astaire oplevede en fornyet periode med kreativitet i dansen. Det første af disse programmer, An Evening with Fred Astaire fra 1958, vandt ni Emmy Awards, herunder "Best Single Performance by an Actor" og "Most Outstanding Single Program of the Year". Det var også bemærkelsesværdigt, fordi det var den første store udsendelse, der blev optaget på farvevideobånd. Astaire vandt Emmy-prisen for bedste enkeltstående præstation af en skuespiller. Valget fik en kontroversiel modreaktion, fordi mange mente, at hans dans i specialet ikke var den type "skuespil", som prisen var beregnet til. På et tidspunkt tilbød Astaire at returnere prisen, men Television Academy nægtede at overveje det. En restaurering af programmet vandt en teknisk Emmy i 1988 for Ed Reitan, Don Kent og Dan Einstein. De restaurerede det originale videobånd, overførte dets indhold til et moderne format og udfyldte de huller, hvor båndet var blevet ødelagt, med kineskopiske optagelser.

Astaire spillede Julian Osborne, en ikke-dansende karakter, i atomkrigsdramaet On the Beach (1959). Han blev nomineret til en Golden Globe for bedste birolle for sin præstation, men tabte til Stephen Boyd i Ben-Hur. Astaire optrådte i ikke-dansende roller i tre andre film og flere tv-serier fra 1957 til 1969.

Astaires sidste store musicalfilm var Finian's Rainbow (1968), instrueret af Francis Ford Coppola. Astaire smed sit hvide slips og sin halstørklæde for at spille en irsk skurk, der tror, at hvis han begraver en guldbeholder i skyggerne af Fort Knox, vil guldet formere sig. Astaires dansepartner var Petula Clark, som spillede hans figurs skeptiske datter. Han beskrev sig selv som nervøs for at synge med hende, mens hun sagde, at hun var bekymret for at danse med ham. Filmen var en beskeden succes både ved kassen og blandt kritikerne.

Astaire fortsatte med at spille skuespil i 1970'erne. Han optrådte på tv som far til Robert Wagners karakter, Alexander Mundy, i filmen It Takes a Thief. I filmen The Towering Inferno (1974) dansede han med Jennifer Jones og modtog sin eneste Oscar-nominering i kategorien Bedste birolle. Han lagde stemme til postbuddet fortælleren S.D Kluger i 1970'ernes Rankin

I 1978 spillede han sammen med Helen Hayes i en vel modtaget tv-film A Family Upside Down, hvor de spillede et ældre ægtepar, der skulle klare sig med et svigtende helbred. Astaire vandt en Emmy Award for sin præstation. Han havde en meget omtalt gæsteoptræden i science-fiction tv-serien Battlestar Galactica i 1979 som Chameleon, den mulige far til Starbuck, i "The Man with Nine Lives", en rolle skrevet til ham af Donald P. Bellisario. Astaire bad sin agent om at skaffe ham en rolle i Galactica på grund af hans børnebørns interesse for serien, og producenterne var glade for muligheden for at skabe et helt afsnit med ham i hovedrollen. Dette afsnit markerede den sidste gang, han dansede på skærmen, i dette tilfælde sammen med Anne Jeffreys. Han medvirkede i ni forskellige roller i The Man in the Santa Claus Suit i 1979. Hans sidste film var filmatiseringen af Peter Straubs roman Ghost Story fra 1981. Denne gyserfilm var også den sidste for to af hans mest prominente medspillere, Melvyn Douglas og Douglas Fairbanks Jr.

Astaire var en virtuos danser, der var i stand til at formidle både lethed og dybe følelser, når det var nødvendigt. Hans tekniske kontrol og rytmesans var forbløffende. Længe efter at optagelserne til solodansnummeret "I Want to Be a Dancin' Man" til filmen The Belle of New York fra 1952 var afsluttet, blev det besluttet, at Astaires ydmyge kostume og den slidte scenografi var utilstrækkelige, og hele sekvensen blev optaget på ny. Dokumentarfilmen That's Entertainment! III viser de to forestillinger side om side i delt skærm. Billed for billede er de to forestillinger identiske, helt ned til den mindste bevægelse.

Astaires udførelse af en danserutine blev værdsat for sin elegance, ynde, originalitet og præcision. Han trak på en række forskellige påvirkninger, herunder tap og andre sorte rytmer, klassisk dans og Vernon og Irene Castles ophøjede stil. Hans dansestil var en unik og genkendelig stil, som i høj grad påvirkede den amerikanske Smooth-stil inden for selskabsdans og satte standarder, som senere filmdansemusicals skulle bedømmes i forhold til. Han kaldte sin eklektiske tilgang for "outlaw style", en uforudsigelig og instinktiv blanding af personlig kunstfærdighed. Hans danse er sparsomme, men alligevel uendeligt nuancerede. Som Jerome Robbins udtalte: "Astaires dans ser så enkel, så afvæbnende, så let ud, men understrukturen, den måde han sætter trinene på, over eller imod musikken på, er så overraskende og opfindsom.":  18 Astaire bemærkede endvidere:

Det er en meget kompliceret proces at udarbejde trinene - ligesom at skrive musik. Man er nødt til at finde på et trin, der går over i det næste, og hele dansen skal have et integreret mønster. Hvis dansen er rigtig, må der ikke være en eneste overflødig bevægelse. Den skal bygge op til et klimaks og stoppe! 15

Selv om Astaire var den primære koreograf af alle sine danserutiner, var han glad for input fra samarbejdspartnere og især fra sin vigtigste samarbejdspartner Hermes Pan. Men dansehistorikeren John Mueller mener, at Astaire fungerede som hovedkoreograf i sine soloer og partnerdanse gennem hele sin karriere. Han bemærker, at Astaires dansestil var konsekvent i de efterfølgende film, der blev lavet med eller uden hjælp fra Pan. Desuden koreograferede Astaire alle rutinerne under sin Broadway-karriere sammen med sin søster Adele. Senere i sin karriere blev han lidt mere imødekommende over for at acceptere sine samarbejdspartneres anvisninger. Dette var dog næsten altid begrænset til området for udvidede fantasi-sekvenser eller "drømmeballetter".

Astaire tog lejlighedsvis æren for koreografi eller danseledelse, men han overlod normalt æren til sin medarbejder. Dette kan føre til det helt misvisende indtryk, at Astaire blot udførte andres koreografi. Senere i livet indrømmede han: "Jeg måtte gøre det meste selv".

Ofte var en dansesekvens bygget op omkring to eller tre nøgleidéer, nogle gange inspireret af hans trin eller af selve musikken, der antyder en bestemt stemning eller handling..:  20 Caron sagde, at mens Kelly dansede tæt på jorden, følte hun, at hun svævede sammen med Astaire. Mange danserutiner var bygget op omkring en "gimmick", som at danse på væggene i Royal Wedding eller at danse med sine skygger i Swing Time. Han eller hans medarbejder tænkte på disse rutiner tidligere og gemte dem til den rette situation. De brugte uger på at skabe alle dansesekvenserne i et afsondret øvelokale, inden optagelserne begyndte. De arbejdede sammen med en prøvepianist (ofte komponisten Hal Borne), som til gengæld meddelte ændringerne til de musikalske orkestratorer.

Hans perfektionisme var legendarisk, men hans ubarmhjertige insisteren på prøver og omprøver var en byrde for nogle. Når tiden nærmede sig for optagelsen af et nummer, øvede Astaire i yderligere to uger og optog sang og musik. Når alle forberedelserne var færdige, kunne selve optagelserne gå hurtigt, hvilket sparede på omkostningerne. Astaire plagede sig under processen og bad ofte kolleger om at få accept for sit arbejde. Som Vincente Minnelli udtalte: "Han mangler selvtillid i den mest enorme grad af alle mennesker i verden. Han vil ikke engang gå hen for at se sine rushes ... Han tror altid, at han ikke duer.":  16 Som Astaire selv bemærkede: "Jeg har endnu aldrig fået noget 100% rigtigt. Alligevel er det aldrig så dårligt, som jeg tror, det er.":  16

Michael Kidd, Astaires medkoreograf på filmen The Band Wagon fra 1953, fandt ud af, at hans egen bekymring over den følelsesmæssige motivation bag dansen ikke blev delt af Astaire. Kidd fortalte senere: "Teknikken var vigtig for ham. Han sagde: 'Lad os lave trinene. Lad os tilføje looket senere.""

Selv om han primært betragtede sig selv som en entertainer, vandt hans kunstneriske kunnen ham beundring hos dansere fra det 20. århundrede som Gene Kelly, George Balanchine, Nicholas Brothers, Mikhail Baryshnikov, Margot Fonteyn, Bob Fosse, Gregory Hines, Rudolf Nureyev, Michael Jackson og Bill Robinson. Balanchine sammenlignede ham med Bach og beskrev ham som "den mest interessante, den mest opfindsomme og den mest elegante danser i vores tid", mens han for Baryshnikov var "et geni ... en klassisk danser, som jeg aldrig har set i mit liv". "Ingen danser kan se Fred Astaire uden at vide, at vi alle burde have været i en anden branche", konkluderede han.

Astaire var ekstremt beskeden med hensyn til sine sangfærdigheder (han hævdede ofte, at han ikke kunne synge, men kritikerne anså ham for at være blandt de bedste), og han præsenterede nogle af de mest berømte sange fra Great American Songbook, især Cole Porters sange: "Night and Day" i Gay Divorce (Irving Berlins "Isn't This a Lovely Day?", "Cheek to Cheek" og "Top Hat, White Tie and Tails" i Top Hat (og "Change Partners" i Carefree (1938). Han præsenterede for første gang Jerome Kerns "The Way You Look Tonight" i Swing Time (1936), Gershwins "They Can't Take That Away from Me" i Shall We Dance (1937), "A Foggy Day" og "Nice Work if You Can Get it" i A Damsel in Distress (1937), Johnny Mercers "One for My Baby" fra The Sky's the Limit (og Harry Warren og Arthur Freeds "This Heart of Mine" fra Ziegfeld Follies (1946).

Astaire var også med til at introducere en række sangklassikere i duetter med sine partnere. For eksempel var han sammen med sin søster Adele med til at introducere Gershwins "I'll Build a Stairway to Paradise" fra Stop Flirting (1923), "Fascinating Rhythm" i Lady, Be Good (1924), "Funny Face" i Funny Face (1927), og i duetter med Ginger Rogers præsenterede han Irving Berlins "I'm Putting All My Eggs in One Basket" i Follow the Fleet (1936), Jerome Kerns "Pick Yourself Up" og "A Fine Romance" i Swing Time (1936) samt Gershwins "Let's Call the Whole Thing Off" fra Shall We Dance (og sammen med Jack Buchanan, Oscar Levant og Nanette Fabray leverede han Arthur Schwartz' og Howard Dietz' "That's Entertainment! " fra The Band Wagon (1953).

Selv om han havde en let stemme, blev han beundret for sin lyrik, diktion og frasering - den ynde og elegance, som han værdsatte i sin dans, syntes at afspejle sig i hans sang, en evne til syntese, som fik Burton Lane til at beskrive ham som "verdens største musikalske performer".:  21 Irving Berlin anså Astaire for at være lige så god som enhver mandlig fortolker af hans sange - "lige så god som Jolson, Crosby eller Sinatra, ikke nødvendigvis på grund af hans stemme, men på grund af hans måde at projicere en sang på". Jerome Kern anså ham for at være den bedste mandlige fortolker af sine sange: 21 og Cole Porter og Johnny Mercer beundrede også hans unikke behandling af deres værker. Og selv om George Gershwin var noget kritisk over for Astaires sangfærdigheder, skrev han mange af sine mest mindeværdige sange til ham: 123, 128 I sin storhedstid blev Astaire refereret i sangtekster af sangskriverne Cole Porter, Lorenz Hart og Eric Maschwitz og inspirerer fortsat moderne sangskrivere.

Astaire var sangskriver, og "I'm Building Up to an Awful Letdown" (skrevet sammen med tekstforfatter Johnny Mercer) blev nummer fire i hitlisten i 1936. Han indspillede sin egen "It's Just Like Taking Candy from a Baby" sammen med Benny Goodman i 1940 og nærede en livslang ambition om at blive en succesfuld komponist af populære sange.

I 1952 indspillede Astaire The Astaire Story, et album i fire bind med en kvintet under ledelse af Oscar Peterson. Albummet, der var produceret af Norman Granz, gav et musikalsk overblik over Astaires karriere. The Astaire Story vandt senere Grammy Hall of Fame Award i 1999, en særlig Grammy-pris til ære for indspilninger, der er mindst 25 år gamle, og som har "kvalitativ eller historisk betydning".

Han var altid ulasteligt klædt på og blev sammen med Cary Grant kaldt "den bedst klædte skuespiller".Astaire forblev et mandligt modeikon selv i sine senere år, da han undgik sit varemærke, den høje hat, det hvide slips og den halskjorte, som han hadede. I stedet foretrak han en luftig og afslappet stil med skræddersyede sportsjakker, farvede skjorter og bukser - sidstnævnte blev normalt holdt oppe af den karakteristiske brug af et gammelt slips eller et silketørklæde i stedet for et bælte.

Astaire giftede sig i 1933 med den 25-årige Phyllis Potter (tidligere Phyllis Livingston Baker ), en Boston-født New York-socialite og tidligere hustru til Eliphalet Nott Potter III (1906-1981), på trods af sin mors og søsters indvendinger. Phyllis' død af lungekræft i en alder af 46 år afsluttede 21 års lykkeligt ægteskab og efterlod Astaire knust. Astaire forsøgte at droppe ud af filmen Daddy Long Legs (1955), som han var i gang med at optage, og tilbød at betale de hidtidige produktionsomkostninger, men blev overtalt til at blive.

Ud over Phyllis Potters søn, Eliphalet IV (kendt som Peter), havde Astaires to børn. Astaires' søn, Fred Jr. (født 1936), optrådte sammen med sin far i filmen Midas Run og blev senere charterpilot og landmand. Astaires' datter Ava Astaire (født 1942) er fortsat involveret i at fremme sin fars arv.

Fred Astaire var meget privat og blev sjældent set på den sociale scene i Hollywood. I stedet helligede han sin fritid til sin familie og sine hobbyer, som omfattede hestevæddeløb, trommespil, sangskrivning og golfspil. Han var gode venner med David Niven, Randolph Scott, Clark Gable og Gregory Peck. Niven beskrev ham som "en pixie-timid, altid varmhjertet, med en forkærlighed for skoledrengevitser". I 1946 vandt hans hest Triplicate Hollywood Gold Cup og San Juan Capistrano Handicap. Han forblev fysisk aktiv langt op i firserne. Han begyndte at køre skateboard i slutningen af halvfjerdserne og blev tildelt et livsvarigt medlemskab af National Skateboard Society. Som 78-årig brækkede han sit venstre håndled, da han kørte på skateboard i sin indkørsel. Han interesserede sig også for boksning og ægte kriminalitet.

Den 24. juni 1980, i en alder af 81 år, giftede han sig for anden gang. Robyn Smith var 45 år yngre end ham og en jockey, der red for Alfred Gwynne Vanderbilt Jr. (hun gik også ud med Vanderbilt i 1970'erne), og hun var på forsiden af Sports Illustrated den 31. juli 1972.

Astaires liv er aldrig blevet portrætteret på film. Han har altid nægtet tilladelse til sådanne portrætteringer og sagde: "Uanset hvor meget de tilbyder mig - og der kommer hele tiden tilbud - vil jeg ikke sælge." Astaires testamente indeholdt en klausul, hvori han bad om, at der aldrig skulle finde en sådan portrættering sted; han kommenterede: "Den er der, fordi jeg ikke har noget særligt ønske om at få mit liv misfortolket, hvilket det ville blive." Den 5. december 2021 annoncerede Tom Holland, at han ville portrættere Astaire i en kommende biograffilm, hvilket tiltrak sig kritik på grund af klausulen.

Astaire døde af lungebetændelse den 22. juni 1987 i en alder af 88 år. Hans lig blev begravet på Oakwood Memorial Park Cemetery i Chatsworth, Californien. Et af hans sidste ønsker var at takke sine fans for deres mangeårige støtte.

Film, musical

Optrædener med *Ginger Rogers (10), **Rita Hayworth (2), ***Bing Crosby (2), ****Vera-Ellen (2), *****Cyd Charisse (2).Alle optrædener med { }, angiver, at den pågældende kun optrådte som Astaires partner.

Film, ikke-musikalsk

*Optrædener med dansepartner Barrie Chase (7)

Kilder

1. Fred Astaire
2. Fred Astaire
3. ^ a b c Billman, Larry (1997). Fred Astaire: A Bio-bibliography. Connecticut: Greenwood Press. ISBN 0-313-29010-5.
4. Fred Astaire | Biography & Facts (англ.). Encyclopedia Britannica. Дата обращения: 3 февраля 2019. Архивировано 18 сентября 2018 года.
5. Flippo, Hyde Fred Astaire (1899–1987) aka Friedrich Austerlitz  (неопр.). The German–Hollywood Connection. Дата обращения: 10 июля 2015. Архивировано из оригинала 2 января 2009 года.
6. Johanna (Geilus) Astaire (1878-1975) | WikiTree FREE Family Tree  (неопр.). www.wikitree.com. Дата обращения: 3 февраля 2019. Архивировано 4 мая 2019 года.
7. 1,0 1,1 1,2 Εθνική Βιβλιοθήκη της Γερμανίας, Κρατική Βιβλιοθήκη του Βερολίνου, Βαυαρική Κρατική Βιβλιοθήκη, Εθνική Βιβλιοθήκη της Αυστρίας: «Fred Astaire». (Γερμανικά, Αγγλικά) Gemeinsame Normdatei. Ανακτήθηκε στις 24  Απριλίου 2014.
8. 3,0 3,1 (Αγγλικά) SNAC. w60k2ftk. Ανακτήθηκε στις 9  Οκτωβρίου 2017.
9. Εθνική Βιβλιοθήκη της Γερμανίας, Κρατική Βιβλιοθήκη του Βερολίνου, Βαυαρική Κρατική Βιβλιοθήκη, Εθνική Βιβλιοθήκη της Αυστρίας: (Γερμανικά, Αγγλικά) Gemeinsame Normdatei. Ανακτήθηκε στις 11  Δεκεμβρίου 2014.
10. Εθνική Βιβλιοθήκη της Γερμανίας, Κρατική Βιβλιοθήκη του Βερολίνου, Βαυαρική Κρατική Βιβλιοθήκη, Εθνική Βιβλιοθήκη της Αυστρίας: (Γερμανικά, Αγγλικά) Gemeinsame Normdatei. Ανακτήθηκε στις 30  Δεκεμβρίου 2014.
11. 11,0 11,1 11,2 11,3 11,4 «Identifiants et Référentiels» (Γαλλικά) Agence bibliographique de l'enseignement supérieur. 027394638. Ανακτήθηκε στις 9  Αυγούστου 2022.
12. a b c Larry Billman (1997). Fred Astaire: A Bio-bibliography. Col: Bio-bibliographies in the performing arts (em inglês). 76 ilustrada, comentada ed. E.U.A.: Greenwood Press. ISBN 9780313290107
13. «Fred Astaire - American Dancer and Singer». Encyclopædia Britannica (em inglês). Encyclopædia Britannica, Inc. 18 de junho de 2019. Consultado em 10 de agosto de 2019
14. a b Levinson, Peter. Puttin' On the Ritz: Fred Astaire and the Fine Art of Panache, A Biography, St. Martin's Press (2009) pp. 123–124.
15. Clive Hirschhorn (1975). Gene Kelly: A Biography. Col: Bio-bibliographies in the performing arts (em inglês). 76 ilustrada ed. E.U.A.: Regnery. p. 145. ISBN 9780809282609
16. «Johanna (Geilus) Astaire (1878 - 1975)». WikiTree (em inglês). Consultado em 10 de agosto de 2019